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Great Masters Art pretende revolucionar a autenticação de arte

A Great Masters Art, empresa de autenticação científica sediada em San Diego, Califórnia, emprega uma variedade de métodos para analisar obras de arte, desde técnicas de ponta, como fotomicrografia e reflectografia infravermelha, até a boa e velha pesquisa histórica da arte. Ao explicar as origens da empresa, o fundador Curtis McConnell, ao lado do renomado cientista italiano Maurizio Seracini, conta uma história sobre quando anunciou planos para restaurar um dos bens mais valiosos da arte: “A Adoração dos Magos” (1481-1482), de Leonardo da Vinci. Matéria publicada originalmente no site do Artnet (artnet.com), em 13/04/18. +

A autenticação de arte é um negócio complicado. A autenticidade de uma pintura pode significar a diferença entre uma obra-prima multimilionária e um descartável do mercado de pulgas, embora poucas pessoas saibam o que o processo exige.

A Great Masters Art, uma empresa de autenticação científica sediada em San Diego, Califórnia, está tentando mudar isso. Orgulhando-se da sua transparência, a empresa emprega uma variedade de métodos para analisar obras de arte, desde técnicas de ponta, como fotomicrografia e reflectografia infravermelha, até a boa e velha pesquisa histórica da arte. O objetivo é aprender sobre quando e como as pinturas foram feitas e com quais materiais. Através desse processo, a empresa pode dizer se uma pintura de um Velho Mestre é de fato real, ou apenas um fake brilhante.

Para o leigo, a descrição desse tipo de trabalho pode tornar-se confusa muito rapidamente à medida que nomes científicos vão surgindo. Os conceitos por trás do trabalho, no entanto, não são tão difíceis de compreender. Para explicá-las, o fundador da empresa, Curtis McConnell, usa uma analogia simples.

“Tratamos a arte como um médico trataria um paciente”, diz McConnell à artnet News. “A primeira coisa que fazemos é obter a história do paciente. Em segundo lugar, analisamos e tentamos entender o estado de saúde do paciente por meio de uma combinação de imagens diagnósticas - radiografias, talvez uma ressonância magnética ou tomografia computadorizada (CAT). Estes são os mesmos tipos de coisas que fazemos para uma obra de arte. E em terceiro lugar, acabamos com o que é chamado de diagnóstico analítico, que é o lado da química - fazendo biópsias, análises de material, etc. O exame de sangue, se você preferir.”
McConnell iniciou a Great Masters Art em 2013, com o renomado cientista Maurizio Seracini para fornecer autenticação de arte para investidores, bancos e seguradoras em todo o mundo. O prof. Seracini, especialista em diagnóstico cultural, é um dos maiores especialistas em autenticação de arte do mundo. Ele estudou mais de quatro mil pinturas de Da Vinci, Botticelli, Caravaggio, Rafael, Modigliani e muitos outros. Seu trabalho incluiu pinturas famosas do Uffizi, do Met e do Getty.
Ao explicar as origens da empresa, McConnell conta uma história sobre o especialista em diagnóstico de arte italiano, Maurizio Seracini, que começa 17 anos atrás.

Em 2001, a Galeria Uffizi, em Florença, anunciou planos para restaurar um de seus bens mais valiosos: “A Adoração dos Magos”, de Leonardo da Vinci. A pintura, pensada para ter sido concluída em 1481, é considerada uma das primeiras obras-primas de Leonardo, embora foi deixada inacabada. Foi feito em uma série de 10 tábuas de álamo e mede cerca de oito metros de altura e oito metros de largura. Ao ouvir sobre seus planos de restauração, Seracini se aproximou do museu e se ofereceu para examinar o trabalho antes do museu.

Seracini estudou a pintura por mais de seis meses. O que ele descobriu foi inesperado.

Primeiro, ele descobriu que ela estava em estado bruto. Uma faixa de quase dez centímetros tinha sido cortada do fundo da composição, e várias seções no topo haviam sido cortadas e depois reinseridas com grandes pregos. Havia uma clara evidência de apodrecimento, e dentro havia carunchos, moscas e larvas. No entanto, a descoberta mais desconcertante veio depois, quando Seracini e sua equipe começaram a analisar as camadas inferiores da pintura.

Ele descobriu pequenas manchas indistintas de tinta marrom em toda a obra, que não pareciam combinar com o estilo meticulosamente detalhado de Leonardo.

"Maurizio, em seu elegante sotaque italiano, chamou de 'porcaria marrom'", lembra McConnell. “Havia evidências claras de que mudanças haviam sido feitas na pintura, e elas não pareciam de modo algum ser a mão de da Vinci.”
Em última análise, Seracini chegou à conclusão de que o desenrolar da pintura foi realmente feito por Leonardo por volta de 1481. No entanto, a pintura no topo não era. A obra foi completada muitos anos depois por outro artista e não era totalmente fiel ao plano original do artista.
Depois de revelar suas descobertas para o Uffizi, Seracini esperou pelas consequências da mídia e do mundo da arte, mas isso nunca aconteceu. O museu não anunciou suas descobertas; nem pediu para ele apresentar sua pesquisa para mais ninguém. Ficou claro que eles estavam tentando varrer seu trabalho para debaixo do tapete.

“Na moda típica de Maurizio, ele disse: 'Ok, bem, se mais ninguém vai falar sobre isso, eu vou falar sobre isso', diz McConnell. Quase um ano depois de seu encontro com o Uffizi, Seracini ligou para o New York Times e contou sua história.
McConnell seguiu de perto a controvérsia que se seguiu, especialmente depois que o trabalho de Seracini foi mencionado em O Código Da Vinci, de Dan Brown. Foi vários anos depois que ele conheceu o professor italiano e começou a aprender sobre autenticação científica e o mercado de arte.

“O que Maurizio estava fazendo era aplicar método científico para entender a arte. Eu pensei finalmente aqui está alguém olhando para as coisas para fornecer mais verdade, mais fatos”, lembra McConnell. “Meu objetivo era apresentar toda a grande ciência que Seracini foi pioneira de uma maneira que fosse palatável para o mercado de arte.”

McConnell também viu a necessidade de mudanças na indústria. “Percebi que a autenticação científica, da maneira como estava sendo feita, não era escalonável. Foi muito manual e muito lento, e afetou apenas um punhado de clientes de alta qualidade. Também fiquei chocado com quantas obras de arte que são vendidas são falsas - os especialistas estimam que de um terço a metade de todas as pinturas são forjadas ”, diz ele. “O mercado de arte está infiltrado por fraudes e crime organizado.”
McConnell e Seracini formaram a Great Masters Art para desenvolver tecnologia para fornecer serviços de autenticação consistentes, abrangentes e transparentes que estabelecessem um novo padrão para a indústria.

Hoje, eles estão indo em direção a esse objetivo. A empresa trabalha com museus, colecionadores, vendedores, advogados, companhias de seguros e até mesmo com a aplicação da lei. Eles cobram a mesma quantia por cada pintura, não importa quão famosos sejam, e estão trabalhando para educar o mundo da arte sobre a autenticação de arte científica e como ela funciona. Seracini e McConnell regularmente dão palestras e apresentações, e a empresa tem um aplicativo interativo em seu site que permite aos usuários explorar essas tecnologias.

"A era da autenticação científica chegou", diz McConnell. “Eu prevejo que dentro de cinco anos todo mundo que comprar arte como um investimento insistirá que sua arte seja certificada como cientificamente autêntica e protegida por meio de uma identificação digital. Nosso trabalho é tornar esse processo fácil, escalável, replicável e transparente.”

Quando essa meta for concretizada, McConnell diz que todos se beneficiarão: “Quando a arte é cientificamente autenticada, os compradores são protegidos, os bancos podem confiar em suas garantias, as seguradoras reduzem seu risco e os vendedores podem confiar no valor de suas artes. E, claro, à medida que revelamos os segredos de mais pinturas, as obras de arte terão novas histórias para nos contar. ”
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Matéria publicada originalmente no site do Artnet (artnet.com), em 13/04/18.

Arábia Saudita e França se unem para projeto multi-bilionario histórico

O documento de 20 páginas, assinado em Paris pelo ministro das Relações Exteriores da França, Jean-Yves Le Drian, e pelo príncipe Badr bin Abdullah Al Saud, governador da província de Al-Ula, que dá durante dez anos à França um papel exclusivo em um potencial projeto que custará dezenas de bilhões de euros, onde a cultura, o turismo e as artes poderiam desempenhar na abertura e modernização do país, em consonância com o Plano de Visão 2030 do príncipe herdeiro. Matéria publicada no site da revista Dasartes (www.revistadasartes.com), em 10/05/18. +

A França e a Arábia Saudita chegaram a um acordo no mês passado sobre uma grandiosa colaboração cultural e turística que não é apenas um trunfo para a diplomacia de poder do presidente Emmanuel Macron, mas também pode ser um importante veículo de mudança no reino do Oriente Médio.

O documento de 20 páginas, visto pelo "The Art Newspaper", foi assinado em Paris pelo ministro das Relações Exteriores da França, Jean-Yves Le Drian, e pelo príncipe Badr bin Abdullah Al Saud, governador da província de Al-Ula, na presença de Macron e o Príncipe herdeiro Mohammed bin Salman Al Saud (conhecido como MBS).
Aclamado como “histórico” pela mídia saudita, o acordo de dez anos dá à França um papel exclusivo em um potencial projeto que custará dezenas de bilhões de euros em uma área quase do tamanho da Bélgica. Também confirma o papel que a cultura, o turismo e as artes poderiam desempenhar na abertura e modernização do país, em consonância com o Plano de Visão 2030 do príncipe herdeiro.

Al-Ula é o lar de Al-Hijr, um Patrimônio Mundial da Unesco desde 2008, atualmente fechado para turistas e visitado apenas por poucos privilegiados. Localizada no noroeste da Arábia Saudita, consiste em canyons espetaculares e túmulos esculpidos em pedra ao redor de Mada’in Salih, antes conhecida como Hegra. O oásis era um posto comercial do reino Nabateu, a 550 km ao sul de sua capital, Petra, na atual Jordânia. Inclui restos da cultura lihyanita e da ocupação romana.

A ideia de abrir a área ao turismo internacional surgiu em uma reunião entre Macron e MBS, no dia seguinte à inauguração do Louvre Abu Dhabi em novembro passado, e algumas semanas após o anúncio dos planos de construir uma cidade entre a fronteira com o Egito e a Jordânia, batizada de Neom, e um investimento de US$ 500 bilhões para o projeto.

O acordo foi negociado pelo enviado especial de Macron, Gérard Mestrallet, o presidente do grupo de energia e serviços públicos Engie, que investiu em instalações de energia e água na Arábia Saudita. Ele foi auxiliado por Didier Selles, que em 2007 negociou o acordo de € 1 bilhão com os Emirados Árabes Unidos para o Louvre Abu Dhabi. Os detalhes financeiros ainda precisam ser finalizados, mas, segundo uma fonte diplomática francesa, só a taxa de contrato – “em reconhecimento ao valor intrínseco da França como o principal destino turístico e cultural do mundo” – poderia valer vários bilhões de euros. Macron decidiu dedicar esse dinheiro a um fundo para monumentos e museus franceses.

Um memorando de entendimento de € 150 milhões já foi acordado com o Forum Campus France (atuando para 350 universidades e centros de pesquisa) para receber estudantes sauditas a partir deste outono. O Louvre será o principal parceiro da parte cultural do programa, juntamente com o Musée National des Arts Asiatiques-Guimet e os serviços arqueológicos franceses. Um Institut Français será instalado em Al-Ula, e o Institut du Monde Arabe em Paris está planejando uma exposição na província para o próximo ano.

A França ajudará a estender escavações por toda a província, proteger os túmulos e templos e abrir um museu arqueológico. Mais ambiciosamente, os sauditas também prevêem um segundo “museu de classe mundial e centro de pesquisa” dedicado à história da península arábica. Pode ser de duas a três vezes o tamanho do Louvre Abu Dhabi, segundo uma fonte saudita, e seu orçamento de aquisições chega a US$ 100 milhões por ano.
O acordo inclui apoio à educação, treinamento, artesanato, comércio local e agricultura. O programa é “respeitar a paisagem, o ambiente natural e o patrimônio cultural” e aderir às normas da Unesco.

Seu impacto pode ser amplo. As culturas pré-islâmicas, uma questão sensível nos círculos conservadores islâmicos, são agora oficialmente consideradas patrimônio importante na Arábia Saudita. O acordo afirma que as instituições educacionais e científicas devem estar “em conformidade com as mais rígidas regras internacionais”, o que significa liberdade de expressão e igualdade de gênero, segundo fontes diplomáticas francesas.

A França também ajudará a elaborar uma estrutura legal para a província “em derrogação” – isto é, isentando-a de certas leis e regras em vigor no reino. “Com base nas normas mais eficientes”, terá que atender aos critérios de “intercâmbio internacional e turismo”, o que implica a oferta de comodidades como piscinas, cinemas e outras instalações de entretenimento, que serão abertas tanto para mulheres quanto para homens. O príncipe herdeiro já anunciou que os mesmos princípios serão aplicados à cidade vizinha projetada de Neom.

Este sistema legal específico também abrange regras para “planejamento urbano e construção, proteção do meio ambiente, patrimônio, flora e fauna, bem como empresas artesanais locais”. Usando a cultura e o turismo como um trampolim, isso contribuirá para as reformas mais profundas buscadas pela MBS, que apóia um Islã “moderado”. “O ‘toque francês’ poderia dar credibilidade não apenas aos projetos culturais, mas também a uma nova imagem da Arábia Saudita”, disse uma fonte próxima à Macron, que está confiante de que “este acordo pode ser seguido por outros”.
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Matéria publicada no site da revista Dasartes (www.revistadasartes.com), e o The Art Newspaper (theartnewspaper.com), em 10/05/18.

Ache um bilionário para chamar de seu, ensinam banqueiros a galeristas

No encontro organizado pela Tefaf, a feira holandesa que duas vezes por ano invade Nova York com suntuosos arranjos de tulipas e obras de milhões e milhões de dólares, economistas explicavam como quase todo o dinheiro emprestado no mundo que tem obras de arte como garantia foi parar no bolso dos colecionadores e não das galerias. Artigo de Silas Martí originalmente publicado no jornal "Folha de S. Paulo", em 4/5/18. +

“Encontre um bilionário para chamar de seu, um bilionário querendo se sentir jovem e cool.” Quem dizia isso não era um consultor de aspirantes a socialite, mas um banqueiro falando para uma plateia de galeristas estudiosos que lotaram um salão de baile do Upper East Side nova-iorquino para tentar entender números do mercado de arte.
No encontro organizado pela Tefaf, a feira holandesa que duas vezes por ano invade Nova York com suntuosos arranjos de tulipas e obras de milhões e milhões de dólares, economistas explicavam como quase todo o dinheiro emprestado no mundo que tem obras de arte como garantia foi parar no bolso dos colecionadores e não das galerias.
Dos cerca de R$ 71 bilhões em empréstimos ao mundo da arte no ano passado, R$ 60 bilhões foram para colecionadores que deram algumas obras de arte ou seus acervos inteiros como garantia do negócio.
Isso quer dizer que galerias ainda são vistas pelos bancos como negócios arriscados e sem planejamento, refletindo as práticas históricas desse meio que preza segredos e despreza transparência.
“Galeristas precisam parar de pensar nesse negócio como faziam no século 19, em que uma venda se dava num aperto de mão”, dizia Evan Beard, executivo do Bank of America, responsável por empréstimos a colecionadores. “Vocês precisam se ver mais como empresas de verdade, com uma estrutura financeira e planos reais de negócios.”
Ele explica que o motivo pelo qual o dinheiro está concentrado nas mãos dos colecionadores é que eles lidam melhor com os bancos e têm outros investimentos além de seus acervos, mas que é cada vez mais comum usar obras de arte para bancar suas aventuras financeiras extravagantes.
“Um dos meus clientes queria comprar o passe de uma estrela do basquete”, diz Beard. “Então você vai ver nas quadras da NBA um cara que recebe um salário só porque alguém tem uns Picassos guardados em algum lugar por aí.”
Enquanto poucos galeristas –e 90% desses vivem e trabalham nos EUA, o maior mercado de arte do mundo– conseguem convencer os bancos a entrarem nesse tipo de negociação, a situação vem se transformando.
“Galerias de arte são as novas boates e restaurantes badalados”, diz Tim Schneider, que mediava o debate. “É o novo jeito de ser reconhecido.”
Na visão dele, e de outros especialistas, galeristas sem traquejo no mercado financeiro vão precisar zerar o atrito entre o mundo opaco e colorido dos ateliês e o mundo preto no branco das finanças se quiserem sobreviver em economias cada vez mais imprevisíveis.
Daí a ideia de encontrar um bilionário para chamar de seu. “Essa é a melhor coisa que um jovem galerista pode fazer, achar um parceiro para bancar a operação e dar mais peso para a coisa”, diz Beard. “Todas as galerias do Upper East Side fizeram isso. Esses bilionários adoram os coquetéis e adoram saber do último pintor barroco que virou moda.”
Mas o affair com as finanças também implica abrir o jogo. Bancos, na visão desses especialistas, vão querer saber cada vez mais sobre a origem e autenticidade das obras, o que vai exigir total transparência das galerias que ainda não deixaram o que veem como escuridão do modelo passadista que ainda rege esse mundo.
Um exemplo dessa tendência são as medidas contra lavagem de dinheiro no mercado da arte recém-adotadas na União Europeia, um modelo que legisladores americanos também já vêm estudando.
“É muito difícil convencer um banco que uma obra de arte que não existe ou que desaparece com o tempo tem algum valor”, diz Beard. “Mas já estamos chegando lá no mundo financeiro. Já investimos em ideias e conceitos, porque sabemos que é a influência de uma obra que determina o seu valor na praça.”
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Artigo de Silas Martí originalmente publicado no jornal "Folha de S. Paulo", em 4/5/18.

Mostra sobre o sagrado e o profano no Metropolitan atrai olhares do mundo

Três dias antes da abertura de “Corpos Celestiais: moda e imaginação católica” do Met Costume Institute, o museu realizou sua gala anual. A mostra é uma verdadeira mistura de trajes eclesiásticos com roupas e acessórios de costureiros que foram inspirados pelos símbolos, narrativas, fantasias e objetos do catolicismo; feitos por designers que referenciam divertidamente tropos católicos, entre eles Dolce & Gabbana, Jean Paul Gaultier, Christian Lacroix, Chanel, Alexander McQueen, assim como Versace. Suas criações são claramente devidas ao esplendor e ritual da forma exuberante e indiscriminada do sagrado e do profano. Matéria publicada no site da revista Das artes (dasartes.com), em 10/05/18. +

Três dias antes da abertura de “Corpos Celestiais: moda e imaginação católica” do Met Costume Institute, o museu realizou sua gala anual. Aqueles que não podiam pagar a taxa de US$ 30 mil puderam assistir atrás de uma corda de veludo enquanto os convidados adornavam com costura de inspiração religiosa e flutuavam sobre um tapete vermelho que levava ao museu. Haviam referencias sobre a Virgem Maria, Joana d’Arc, Guerreiros Sagrados e até o próprio Jesus. Na imprensa, no dia seguinte, elogios ofegantes dos entendidos de moda se misturavam com acusações de sacrilégio de comentaristas conservadores.

Parecia um prelúdio apropriado para uma exposição de grande sucesso que mistura de forma exuberante e indiscriminada o sagrado e o profano. Nos últimos anos, os artistas se retiraram da apropriação superficial de outras culturas. Os designers de moda, por outro lado, permanecem ladrões impenitentes. Questões de contexto, significado simbólico e uso histórico são deixados de lado quando as culturas do mundo são exploradas para a criação de celebrações visualmente impressionantes, mas intelectualmente vazias, de gosto duvidoso.

“Corpos Celestiais” mistura verdadeiros trajes eclesiásticos com roupas e acessórios de costureiros que foram inspirados pelos símbolos, narrativas, fantasias e objetos do catolicismo. As reportagens da imprensa fizeram muito do notável sucesso do curador Andrew Bolton em convencer as autoridades da Igreja a emprestar artefatos inestimáveis do Museu do Vaticano. No Centro de Roupas Anna Wintour, na Quinta Avenida, essas vestimentas e objetos rituais são apresentados em vitrines com descrições de seus materiais e procedência.

Ocasionalmente essas histórias dão o que falar, como quando uma etiqueta revela que uma mitra espetacular (adereço de cabeça) foi apresentada ao Papa Pio XI por Benito Mussolini, ou que uma opulenta casula bordada de ouro para o mesmo Papa foi criada pelas Clarissas, uma ordem de freiras dedicadas à pobreza. A exibição sem remorso de riqueza e poder embutida nessas vestimentas é um lembrete, como argumenta um texto de parede, de que a Igreja Católica sempre empregou beleza e pompa para atrair os fiéis a uma apreciação da glória de Deus.

Na exposição, os empréstimos do Vaticano são o contraponto para os adornos corpóreos ainda mais espalhafatosos e visualmente ultrajantes feitos por designers que referenciam divertidamente tropos católicos como cruzes, capuzes, auréolas e asas de anjos. Vestidos e acessórios opulentos adornam manequins intercalados entre a estatuária, fragmentos arquitetônicos e objetos rituais nas coleções bizantinas e medievais do museu. A maioria dos estilistas representados – eles incluem Dolce & Gabbana, Jean Paul Gaultier, Christian Lacroix, a Casa de Chanel, Alexander McQueen, assim como Gianni e Donatella Versace, cuja companhia é uma patrocinadora do programa – são de origem católica. Suas criações são claramente devidas ao esplendor e ritual que moldaram o que o curador Bolton se refere como suas “imaginações católicas”.

Nas galerias do Met Avenue na Quinta Avenida, o efeito não é tanto elevar espiritualmente os figurinos, mas arrancar os artefatos do museu que os rodeiam, de volta ao reino da cultura material. Olha-se com novos olhos os relicários de jóias circundantes, Madonnas sensualmente drapeadas e tapeçarias biblicamente temáticas, vendo nelas outras possibilidades de apropriação indumentária.

No Claustro, que foi totalmente assumido pela mostra, esse efeito é diminuído. As capelas, os claustros e os sepulcros reconstruídos do local mantêm-se contra as fantasias, que aqui parecem mais intervenções do que intrusos. Na verdade, as instalações costumam ser de tirar o fôlego.

Um manequim reclinado vestido com um conjunto de John Galliano que apresenta um cocar de cristal, uma bainha de armadura inspirada em um cavaleiro e um vestido preto esvoaçante repousa sobre um pedestal entre outros túmulos na Capela Gótica como uma bela adormecida. Um par de conjuntos azuis escuros da casa de Valentino, um pontilhado de estrelas emprestadas da Madona Negra e outro com arcos do Coliseu, foram colocados acima da clarabóia da Galeria do Claustro de Saint-Guilhem, assumindo os aspectos dos anjos, ascendendo ao céu. A teatralidade das configurações e a teatralidade dos figurinos se combinam para criar um mundo de fantasia sedutor.

No entanto, a principal premissa da mostra continua preocupante. “Corpos celestes” apresenta o catolicismo como um colírio para os olhos. Não é exatamente isso que Andrew Greeley tinha em mente quando teorizou sobre a imaginação católica em um pequeno volume publicado em 2000.

Do seu lado, Bolton abre a mostra com uma citação de Greeley: “Os católicos vivem em um mundo encantado, um mundo de estátuas e água benta, vitrais e velas votivas, santos e medalhas religiosas, rosário e imagens sagradas. Mas essa parafernália católica é apenas uma sugestão de uma sensibilidade religiosa mais profunda e penetrante que inclina os católicos a ver o Santo à espreita da criação. ”Mas enquanto os figurinos da exposição podem se referir a esses elementos do que Greeley se refere como“ poesia católica ” dificilmente atrairão os espectadores para um envolvimento mais profundo com os mistérios da fé.

A arte contemporânea e a religião há muito são percebidas como antagonistas. No entanto, esta mostra sugere que o abismo real é entre religião e moda – o foco no domínio do espírito e valores, o outro no luxo e consumo conspícuo. A espinhosa relação entre o secular e o sagrado que tanto interessa a Greeley está aqui sem esforço resolvida em favor do primeiro.
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Matéria publicada no site da revista Das artes (dasartes.com), em 10/05/18.

Depois de fracasso de vendas, Barbie Frida Khalo processa parente da artista

A Frida Kahlo Corporation (FKC) entrou com uma ação contra Mara Cristina Romeo Pinedo, sobrinha-neta de Frida Kahlo, que no mês passado conseguiu uma liminar que impedia a venda da nova Frida Kahlo Barbie em todo o país. Mara, e sua filha, publicaram através da internet comunicados de imprensa falsos e caluniosos afirmando que a FKC não detém os direitos que licencia. O lançamento da boneca inspirou a ira de Pinedo. “Eu gostaria que a boneca tivesse traços mais parecidos com os de Frida, não com bonecos de olhos claros; e que suas roupas fossem feitas por artesãos mexicanos.” Agora, a FKC busca um julgamento para esclarecer sua posição como o único portador dos direitos de licenciamento do nome e imagem da Kahlo. Matéria publicada no site da Revista Dasartes, (www.dasartes.com), em 10/05/18. +

A Frida Kahlo Corporation está processando sobrinha do artista mexicana, alegando que ela está falsamente apresentando-se como alguém que tem o poder de conceder licenças de licenciamento para o nome e a imagem de Kahlo.

A empresa que licencia o nome e a imagem de Frida Kahlo para uso em bonecas, bebidas alcoólicas e uma variedade de outros produtos não está mais no jogo.
Na segunda-feira, a Frida Kahlo Corporation (FKC) entrou com uma ação contra Mara Cristina Romeo Pinedo, sobrinha-neta de Frida Kahlo, que no mês passado conseguiu uma liminar emitida no México, impedindo a venda da nova Frida Kahlo Barbie em todo o país. O processo, aberto na Flórida, alega que Pinedo – que continua a ser acionista e diretora da FKC – ficou insatisfeita com o grupo em 2011 e iniciou uma campanha para desacreditar e depreciar a corporação e usurpar seu papel como agente licenciadora de produtos comerciais com o nome da artista.

“[Pinedo], junto com sua filha Mara de Anda Romeo, publicaram através da internet, mídias sociais e agências de notícias norte-americanas, comunicados de imprensa falsos e caluniosos afirmando que a FKC não detém os direitos que licencia”, denunciou a FKC. Eles continuam alegando que Pinedo e Romeo mantêm um site não autorizado, uma página no Facebook e uma conta no Twitter com o objetivo ostensivo de emitir licenças e oferecer serviços sob a marca “Frida Kahlo”, que a FKC afirma ter autoridade para fazer.

A mãe de Pinedo, Isolda P. Kahlo, era sobrinha de Frida Kahlo e herdou os direitos de propriedade industrial da artista. Em 2003, Isolda P. Kahlo deu a sua filha procuração sobre seus negócios, e no ano seguinte Pinedo transferiu os direitos de propriedade industrial de Frida Kahlo para o recém-formado FKC “com o objetivo de comercializar a marca ‘Frida Kahlo’”, se queixa a corporação.

O lançamento, em março, da boneca Frida Kahlo Barbie, como parte da série Inspiring Women, da fabricante de brinquedos Mattel, imediatamente atraiu a ira de Pinedo e Romeu. “Eu gostaria que a boneca tivesse traços mais parecidos com os de Frida, não com bonecos de olhos claros”, disse Romeo na época. “Eu gostaria que ela tivesse uma sobrancelha única, e que suas roupas fossem feitas por artesãos mexicanos.” A mãe e a filha contestaram os direitos de FKC ao nome e imagem do artista, exigindo uma reformulação da Barbie. “Nós, a família Kahlo, somos os que têm direitos sobre todas essas coisas”, disse Romeo à AFP no mês passado.

Agora, a FKC está buscando um julgamento que irá esclarecer sua posição como o único controlador dos direitos de licenciamento do nome e imagem da Kahlo. Ela também está buscando pelo menos US$ 75.000 em danos e para Pinedo cessar qualquer atividade em que ela alega controlar marcas registradas relacionadas a Kahlo. A queixa não identifica especificamente a disputa sobre a Frida Kahlo Barbie como o evento que precipitou a ação legal desta semana – embora alegue que suas “declarações de mídia social foram intencionais e uma interferência injustificada na relação entre FKC e Mattel, Inc” – mas observa que a FKC possui mais de uma dúzia de registros de marcas relacionadas ao nome de Kahlo nos EUA, no México e em outros lugares.
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Matéria publicada no site da Revista Dasartes, (www.dasartes.com), em 10/05/18.

ArtBasel Unlimited apresenta 71 obras em um cenário único

A edição deste ano da Unlimited, plataforma exclusiva da Art Basel para projetos de grandes dimensões, 71 projetos de grande escala, apresentados por galerias que tem a oportunidade de mostrar instalações, esculturas monumentais, projeções de vídeo, pinturas murais, séries fotográficas e arte performática, de grandes nomes como Ai Weiwei e Lygia Pape. Matéria publicada originalemente no site do Touch Of Class (www.touchofclass.com.br), em 08/05/18. +

A edição deste ano da Unlimited vai apresentar 71 projetos de grande escala, apresentados por galerias participantes da feira. Com curadoria de Gianni Jetzer, (curador no Hirshhorn Museum e Sculpture Garden em Washington D.C.) pelo sétimo ano consecutivo, o setor contará com uma ampla variedade de apresentações, desde peças seminais do passado até trabalhos criados especialmente para a Art Basel.

Obras de artistas renomados e emergentes estarão neste setor da feira, incluindo Matthew Barney, Yto Barrada, Daniel Buren, Horia Damian, Camille Henrot, Jenny Holzer, Mark Leckey, Lee Ufan, Inge Mahn, Lygia Pape, Jon Rafman, Michael Rakowitz, Nedko Solakov, Martine Syms, Barthélémy Toguo e Yu Hong.

Unlimited, na Art Basel

A Unlimited, plataforma exclusiva da Art Basel para projetos de grandes dimensões, oferece às galerias a oportunidade de mostrar instalações, esculturas monumentais, projeções de vídeo, pinturas murais, séries fotográficas e arte performática que transcendem o tradicional estande das feiras de arte.

Em 2007, por exemplo, Daniel Buren transformou as escadas rolantes que conduzem ao andar superior do Hall 1 em uma escultura cinética intitulada “Passage dela Couleur, 26 secondes et 14 centièmes”. O trabalho foi comprado pela Messe Schweiz e hoje faz parte integrante da sala de exposições. Com o Unlimited de 2018 acontecendo no andar superior do Hall 1, este trabalho de Buren fará parte da área de entrada do setor.

Em resposta a este trabalho anterior, a Unlimited abrirá com “Una cosa tira l’altra”, de Buren, uma passarela aérea decorada com faixas semelhantes às que foram usadas na escada rolante em 2007. A extensa plataforma feita de andaimes criará formas para navegar pelo espaço, permitindo que os visitantes visualizem os trabalhos em volta a partir de pontos de vista únicos e inesperados.

Outros destaques incluem as faixas de têxteis de Polly Apfelbaum, combinadas de modo a formar uma pintura colorida; o enclave tropical de Rashid Johnson, contendo nas esculturas vários elementos inesperados, desde manteiga de carité a retratos de vídeos; a pintura monumental de Katherine Bernhardt com pássaros tropicais, robôs fofinhos e pontas de cigarro, que ao mesmo tempo editorializa e resume a cultura moderna e a própria artista; uma instalação multimídia interativa de Nedko Solakov, que compreende nove sofás nas formas dos nove caracteres chineses que constituem a frase “I miss Socialism, maybe”; e a pintura em grande escala de Yu Hong, representando uma famosa fábula chinesa amplamente citada tanto na história moderna da arte chinesa quanto nas narrativas comunistas chinesas. O trabalho se concentra em como a narrativa socialista ainda persevera na sociedade chinesa e explora as maneiras pelas quais sua ideologia corresponde ao legado visual da herança realista socialista soviética.

A Unlimited é um dos setores mais expressivos da Art Basel, que acontece este ano entre os dias 14 e 17 de junho, em Basel, Suíça.

Confira a lista completa dos artistas participantes na Unlimited 2018:
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Ai Weiwei, Lisson Gallery, neugerriemschneider
Francis Alÿs, David Zwirner
Polly Apfelbaum, Frith Street Gallery
Uri Aran, Gavin Brown’s enterprise, Sadie Coles HQ
Rodolfo Aricò, A arte Invernizzi
Arman, Galerie Georges-Philippe & Nathalie Vallois
Matthew Barney, Sadie Coles HQ, Gladstone Gallery, Regen Projects
Yto Barrada, Pace Gallery
Robert Barry, Alfonso Artiaco, Cristina Guerra Contemporary Art, Galerie Greta Meert,
Galleria Massimo Minini, Sfeir-Semler Gallery
Katherine Bernhardt, Canada, Xavier Hufkens
McArthur Binion, Massimo De Carlo, Lehmann Maupin
Barbara Bloom, Galerie Gisela Capitain
Carol Bove, David Zwirner
Frank Bowling, Alexander Gray Associates
Candice Breitz, Goodman Gallery, kaufmann repetto, KOW
Daniel Buren, Galleria Continua
Alberto Burri, Luxembourg & Dayan
Paul Chan, Greene Naftali
Bruce Conner, Paula Cooper Gallery
Horia Damian, Galeria Plan B
Edith Dekyndt, Konrad Fischer Galerie, Galerie Greta Meert
Lara Favaretto, Galleria Franco Noero
General Idea, Mai 36 Galerie, Mitchell-Innes & Nash, Maureen Paley, Esther Schipper
Sam Gilliam, David Kordansky Gallery
Douglas Gordon, Gagosian, Galerie Eva Presenhuber
Dan Graham, Hauser & Wirth
Josep Grau-Garriga, Galerie Nathalie Obadia, Salon 94
He Xiangyu, White Space Beijing
Camille Henrot, König Galerie, kamel mennour, Metro Pictures
Carmen Herrera, Lisson Gallery
Jim Hodges, Massimo De Carlo
Jenny Holzer, Sprüth Magers
Alfredo Jaar, Goodman Gallery, Galerie Lelong & Co., kamel mennour, Galerie Thomas
Schulte
Rashid Johnson, Hauser & Wirth
Jürgen Klauke, Galerie Thomas Zander
Guillermo Kuitca, Hauser & Wirth
Wolfgang Laib, Buchmann Galerie, Konrad Fischer Galerie, Galerie Thaddaeus Ropac,
Sperone Westwater
Mark Leckey, Gavin Brown’s enterprise
Lee Ufan, Pace Gallery
Richard Long, Lisson Gallery
Robert Longo, Metro Pictures, Galerie Thaddaeus Ropac
Ana Lupas, P420
Ibrahim Mahama, White Cube
Inge Mahn, Galerie Max Hetzler
Georges Mathieu, Applicat-Prazan
Richard Mosse, carlier gebauer, Jack Shainman Gallery
Olivier Mosset, Massimo De Carlo, galerie lange + pult
Sam Moyer, Sean Kelly
Yoko Ono, Galerie Lelong & Co.
Lygia Pape, Hauser & Wirth
Barbara Probst, Monica De Cardenas
Jon Rafman, Sprüth Magers
Michael Rakowitz, Barbara Wien
Paul Ramirez Jonas, Galeria Nara Roesler
James Rosenquist, Edward Tyler Nahem Fine Art
Fred Sandback, David Zwirner
Sudarshan Shetty, Galerie Krinzinger, Templon
Nedko Solakov, Galleria Continua
Frances Stark, Gavin Brown’s enterprise, Galerie Buchholz, greengrassi
Mikhael Subotzky & Patrick Waterhouse, Goodman Gallery
Martine Syms, Sadie Coles HQ
Rirkrit Tiravanija, Gavin Brown’s enterprise
Barthélémy Toguo, Galerie Lelong & Co.
Anne Truitt, Matthew Marks Gallery
James Turrell, Bernier/Eliades
Andra Ursuta, Massimo De Carlo, Galerie Eva Presenhuber
Kostis Velonis, Kalfayan Galleries
Claude Viallat, Templon
Cerith Wyn Evans, White Cube
José Yaque, Galleria Continua
Yu Hong, Long March Space

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Matéria publicada originalemente no site do Touch Of Class (www.touchofclass.com.br), em 08/05/18.

Em Nova York, leilão do século começa com vendas de R$ 2,3 bi

A chamada venda do século, como apelidaram o leilão da coleção montada por David e Peggy Rockefeller, começou esfuziante, superando todas as expectativas em um salão da Christie’s, em Nova York. Foram sete recordes, entre eles para nomes históricos incontornáveis, como Monet e Matisse. Matéria de Silas Martí publicada no jornal “Folha de S. Paulo”, em 09/05/18. +

Foram sete recordes, entre eles para nomes históricos incontornáveis, como Monet e Matisse. A chamada venda do século, como apelidaram o leilão da coleção montada por David e Peggy Rockefeller, começou esfuziante, superando todas as expectativas dos próximos dias em sua primeira noite a encarar o martelo num salão da Christie’s, em Nova York.
Mesmo com todos os olhos e expectativas voltados para um Picasso da fase rosa que causou burburinho desde que surgiu no mercado, a disputa mais intensa da noite foi pelas “Ninfeias em Flor”, de Monet.

Foram os mais longos 14 minutos da história, em que a tela que mostra o lago do jardim do impressionista no fim de uma tarde saltou de US$ 38 milhões —algo como R$ 135 milhões— para US$ 84,7 milhões, cerca de R$ 302 milhões, batendo o recorde do artista de dois anos atrás de US$ 81,4milhões —R$ 290 milhões.

Monet, aliás, foi um dos artistas mais cobiçados ali. Na mesma venda, outras telas dele faturaram mais US$ 63,6 milhões, ou R$ 227 milhões.

Uma tela de Matisse bateu outro recorde na venda da coleção de um dos clãs mais célebres de Nova York.
Arrematada por US$ 80,75 milhões, ou R$ 288 milhões, “Odalisca Deitada com Magnólias” desbancou o maior valor já pago por uma tela desse artista pós-impressionista francês —US$ 41 milhões.

Picasso era a estrela da noite. Mas sua garotinha de expressão feroz, como lembrava Peggy Rockefeller, um cesto de flores vermelhas nas mãos, não seduziu tanto assim os compradores —após dois minutos de disputa a obra foi vendida ali por US$ 115 milhões, ou R$ 411 milhões.

É uma bela soma, o segundo maior valor mais alto já pago por uma tela do espanhol e a mais alta por uma obra da fase rosa. Mas ficou longe do recorde de US$ 179,4 milhões batido por um quadro do cubista há três anos.
Em todo caso, esse já é o melhor ano para peças de Picasso na história —a soma de suas telas vendidas supera US$ 300 milhões, quase R$ 1 bilhão.

Encerrado o pregão, o leiloeiro Jussi Pylkkanen disse que “estamos ficando blasés com telas vendendo toda hora por mais de US$ 100 milhões”.

No total, sete dos 44 lotes vendidos na primeira das três noites do leilão dos Rockefeller foram arrematados por mais de US$ 30 milhões, entre eles os demais recordes do dia.

Além de Monet e Matisse, os franceses Delacroix, Corot, Armand Seguin, Vuillard, Odilon Redon e o italiano Giorgio Morandi atingiram os preços mais altos na história.

Os lotes que enfrentaram o martelo em Manhattan integram um acervo avaliado em US$ 1 bilhão, ou R$ 3,57 bilhões. Só na primeira noite, foram vendidos por US$ 646 milhões, ou R$ 2,3 bilhões, superando os US$ 484 milhões que a coleção do estilista Yves Saint Laurent faturou há quase uma década, numa das maiores vendas dessa natureza em toda a história da arte.
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Matéria de Silas Martí publicada no jornal “Folha de S. Paulo”, em 09/05/18.

Coleção de Pedro Corrêa do Lago ganha exposição nos EUA

O editor e historiador Pedro Corrêa do Lago é um dos maiores colecionadores de manuscritos do mundo. Sua coleção, que começa com um documento de 1153 e chega até outro de 2006, viaja para os Estados Unidos onde será exibida em Nova York, na Morgan Library, na exposição "The Magic of Handwriting" (a magia da caligrafia). A mostra de 142 peças em Nova York está dividida em dez áreas, entre as quais artes plásticas, história, história do século 20, literatura, ciência, entretenimento. Em 2019, a coleção deve ser exibida também no Itaú Cultural.Matéria de Maurício Meireles publicada originalmente no jornal "Folha de S. Paulo", em 09/05/18. +

O pesadelo de angústia mais comum de Pedro Corrêa do Lago é um incêndio. Pudera. O editor e historiador é um dos maiores colecionadores de manuscritos do mundo e guarda-os em arquivos à prova de fogo em um casarão em São Paulo.

Parte da coleção, que começa com um documento de 1153 e chega até outro de 2006, viajou para os Estados Unidos. Ela será exibida em Nova York, na Morgan Library, na exposição "The Magic of Handwriting" (a magia da caligrafia).

A coleção, tema da mostra que vai de 1º de junho a 16 de setembro, começou a ser reunida por Corrêa do Lado desde seus 11 anos. Pegava o pesado volume do "Who's Who", livro de referência com pequenas biografias e endereços de gente importante em todo o mundo, e escrevia cartas pedindo documentos.

Os primeiros destinatários foram J. R. R. Tolkien e François Truffaut. O escritor, por meio de sua secretária, disse estar atolado de pedidos do mesmo tipo —e que havia decidido não atendê-los mais.

Já o diretor enviou um exemplar com dedicatória do livro "L'Enfant Sauvage", que fez para crianças a partir do filme "O Garoto Selvagem" (1970).

A partir dali, continuou a caça e passou a viver entre manuscritos, forma secular de comunicação com os mortos.

"É um pedaço da história na mão. Como se fossem minutos congelados da vida de uma pessoa. Quando olho o documento dos papas, fico vendo uma mesa medieval há 900 anos, com aqueles senhores de saia", diz Corrêa do Lago.

Ele se refere ao seu documento mais antigo, uma bula assinada pelo papa Anastácio 4º, em 1153, com os cardeais que se tornariam os papas Alexandre 3º, Lúcio 3º e Celestino 3º e por aquele que se tornaria o santo Guarino de Palestrina. A peça ilustra a principal particularidade de sua coleção: a abrangência.

Primeiro porque cobre quase 900 anos de história. O item mais recente, de 2006, é um livro com dedicatória de Stephen Hawking —que foi escrita por sua secretária e assinada por ele com uma digital.

Depois, pela quantidade de temas que abrange —colecionadores costumam ser mais restritivos. A mostra de 142 peças em Nova York está dividida em dez áreas, entre as quais artes plásticas, história, história do século 20, literatura, ciência, entretenimento.

Os visitantes podem ver desde um documento do rei inglês Ricardo 3º até a partitura de "Chega de Saudade" manuscrita por Tom Jobim.

"Resolvi fazer a coleção universal, a torre de Babel. Tentei identificar as 4.000 ou 5.000 pessoas que foram importantes nas áreas que coleciono [e fui atrás]. Gastei nisso em vez de comprar apartamentos."

Esse conceito de uma coleção universal está representado no acervo dele pelo original de um dos textos mais importantes do século 20 sobre o tema: o manuscrito do conto "A Biblioteca de Babel", de Jorge Luis Borges.

Como se sabe, o autor argentino, conhecido por suas grandes abstrações do pensamento, imaginou uma biblioteca que reuniria todas as combinações possíveis de todas as letras e todas as palavras em todas as línguas.

"Pedro reuniu um acervo tão rico e variado que parece infinito, como essa biblioteca. A coleção é um tour de force, há sempre algo a deslumbrar, intrigar, deliciar e provocar os visitantes", diz Christine Nelson, curadora da mostra.

O colecionador não cita cifras —mas diz que o mais barato custou US$ 1 e o mais caro chegou a seis dígitos.

"Uma carta de Abraham Lincoln sempre valeu um carro popular. Já uma do Steve Jobs vale muito mais, porque escrevia pouco", diz Corrêa do Lago.

Embora vá agradar aos eruditos, a seleção tem algo de pop, com histórias e elementos famosos. Em uma carta de pouco antes de se matar, em 1890, Van Gogh descreve o cômodo onde dormia, imortalizado na tela "Quarto em Arles".

A coleção de fotos, por sua vez, reúne desde uma imagem dos Beatles assinada pelos quatro a outras de Marilyn Monroe, Picasso, Audrey Hepburn e Freud, entre outros.

Entre manuscritos brasileiros na mostra há um de Machado de Assis e um desenho de três aviões por Santos Dumont, no qual o pai da aviação escreveu "Minha família".

"[A coleção] orientou minha vida de maneiras que eu não podia ter suspeitado. Sempre tinha o que fazer em qualquer lugar do mundo. Uma loucura que mereceria a camisa de força", ri Corrêa do Lago.

"Todo colecionador é um pouco voyeur, quer entrar na intimidade, mesmo que no passado. Mas o que importa é a conexão direta com a vida dessas pessoas que admiramos, é como se as conhecêssemos fugazmente".

A exposição é uma das raras chances de ver a coleção. Parte havia sido exibida, há 20 anos, no Rio Grande do Sul, e documentos de Toulouse-Lautrec integraram a mostra do pintor no Masp, em 2017.

É a primeira vez que a parte internacional é exposta. Em 2019, a coleção deve ser exibida também no Itaú Cultural.

Atualmente, Corrêa do Lago disputa com o diretor Cacá Diegues a vaga que o cineasta Nelson Pereira dos Santos deixou na Academia Brasileira de Letras, ao morrer, em abril. A eleição será em agosto.
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Matéria de Maurício Meireles publicada originalmente no jornal "Folha de S. Paulo", em 09/05/18.

Ranking mostra os 11 melhores looks do Met Gala do ano

Todos os olhos estavam voltados para o Metropolitan Museum of Art nessa semana. O lustroso baile à fantasia Met Gala celebrava a abertura da mostra “Heavenly Bodies: Fashion and the Catholic Imagination”, com estilos contemporâneos inspirados na fé católica, bem como uma seleção de peças emprestadas pelo Vaticano, em cartaz no museu até outubro. Veja quem abalou o tapete vermelho no Met Gala. Matéria de Sarah Cascone publicada originalmente no site do Artnet (artnet.com), em 08/05/18. +

Todos os olhos estavam voltados para o Metropolitan Museum of Art na noite passada para a anual festa à fantasia da instituição, o lustroso Met Gala. A noite repleta de estrelas celebrava a abertura de “Heavenly Bodies: Fashion and the Catholic Imagination” (Corpos Celestiais: Moda e Imaginação Católica, em tradução livre), com estilos contemporâneos inspirados na fé católica, bem como uma seleção de peças emprestadas pelo Vaticano, em cartaz no museu até 8 de outubro.

Apropriadamente, as celebridades presentes incluíam vários católicos famosos, como o apresentador Stephen Colbert e Madonna, que mais tarde apresentou seu sucesso de 1989, “Like a Prayer” - conhecido por seu controverso uso de imagens religiosas nem seus videoclipes, como cruzes em chamas – dentro da festa.

O tema católico se prestou a muitas referências históricas de arte, graças à longa história da igreja como patrona das artes. Aqui, nós olhamos criticamente para classificar os melhores looks inspirados na arte da noite.

Amal Clooney

Seguindo os passos de Anna Wintour, da Vogue, George Clooney e Amal Clooney foram os primeiros a chegarem ao final da tarde, com George brincando que seus gêmeos de um ano de idade estavam escondidos sob a calda dramática de sua esposa, que se ele pisasse estaria morto.
Amal, que serviu como uma das co-cadeiras da noite, usava um vestido over-pants numerado pelo designer britânico Richard Quinn, recentemente nomeado o primeiro vencedor do Prêmio Rainha Elizabeth II de Design britânico. Seus padrões florais arrojados parecem ser baseados em estampas antigas da Liberty London, mas o padrão colorido lembra também os cenários ocupados de Kehinde Wileypaintings, como seu retrato instantaneamente icônico de Barak Obama.

Uma grande parte da arte católica são os vitrais que enfeitam a maioria das igrejas. Gigi Hadid era como um design contemporâneo de Louis Comfort Tiffany, com seu longo vestido de paleta arco-íris. Como muitos dos maiores nomes da noite, Hadid usava Versace.

Rihanna

Dominando o tapete vermelho estava Rihanna, que inovou no dress code “Sunday's Best” com uma visão atrevida do traje tradicional do líder da igreja católica. O incrustado de pérolas numerado por Margiela parecia uma pintura do ‘Papa Joan’, da lenda de uma papisa que foi descoberta mulher apócrifamente quando ela deu à luz durante uma procissão (talvez uma referência astuta aos rumores dos tablóides de que Rihanna está grávida); e a dramática peça de cabeça da cantora era uma referência clara às tiaras papais da velha escola, um remanescente medieval aposentado pela Igreja Católica em meados da década de 1960.

Lena Waithe

Não foi só o primeiro Met Gala de Lena Waithe, como também foi a primeira vez que ela visitou o museu, admitiu. Sua roupa para a noite, no entanto, foi baseada na icônica bandeira do arco-íris, símbolo do orgulho LGBT. Projetado por Gilbert Baker, a bandeira do arco-íris entrou na coleção do Museu de Arte Moderna de Nova York em 2015. "Eu disse a eles que queria fazer uma declaração, e é isso que eles inventaram", disse ela sobre sua capa colorida de Carolina Herrera.

Os trapos da moda estão todos sobre o cabelo e a maquiagem Met Gala de Emilia Clarke, mas nós amamos o vestido preto e dourado sem alças da estrela de Game of Thrones por Dolce e Gabbana. Como uma parede de afrescos, havia “pinturas” de querubins emoldurados pelo bordado de filigrana de ouro. O vestido, em seu esplendor barroco, lembra a Sala Boucher, na Coleção Frick de Nova York. Com sua coroa de ouro, era fácil imaginar Daenerys Targaryen finalmente reivindicando o trono de Westeros.

Lana Del Rey canalizou sua formação católica em seu look Gucci, com um deslumbrante escudo de coração remendado por sete espadas. O look era a Maria como Nossa Senhora das Sete Dores, e era uma relação direta com a arte sacra, com o coração esfaqueado simbolizando a tristeza da virgem pelos acontecimentos de sua vida, como a crucificação e o sepultamento de Jesus. A cantora completou seu conjunto branco com uma espetacular peça de cabeça de asas de serafim azul e uma auréola, uma verdadeira pintura renascentista que ganhou vida.

Migos

A lista dos mais bem vestidos do Met Gala tende a ser dominada pelas garotas, mas o trio do hip-hop Migos teve sua alta no evento da noite passada, em correspondentes Versace. O conjunto com jaquetas pesadamente lantejadas são semelhantes a vários looks do designer incluído na exposição e também apareceu para caracterizar desenhos baseados em pinturas e esculturas.

O trio não podia me dizer nada sobre as estátuas de aparência clássica retratadas em seus trajes chamativos, mas confirmou que um de seus colares de gelo era, na verdade, um personagem dos videogames Crash Bandicoot. "É Aku Aku", disse-me Quavo.

Katy Perry

A maior parte da noite foi sobre a era da Renascença e da Idade Média, mas também vi uma influência mais contemporânea no visual Versache de Katy Perry - a cantora teve que virar de lado para passa pelas portas do Met. Suas enormes asas de anjo poderiam ter saído de qualquer pintura religiosa, ou elas poderiam ser inspiradas pela artista urbana Colette Miller, que tem pintado “Angel Wings” em murais por toda Los Angeles, desde 2012.


Todos os anos você pode contar com Sarah Jessica Parker para fazer uma declaração no Met Gala, e 2018 não foi exceção. Se você tivesse me contado que a ex-estrela de Sex in the City havia convertido uma estátua da coleção Medieval do Met em uma peça de cabeça para a noite, eu teria acreditado. Sua coroa de ouro apresentava um presépio inteiro sob um dossel dourado.

O lindo vestido azul e verde de Salma Hayek, com animais e vegetação exuberante, era um costume de Hayek Altuzarra e François-Henri Pinault. O vestido de encaixe foi baseado no “The Garden of Eden”, de Hieronymus Bosch, uma pintura que tem uma galeria inteira dedicada a ela no Cloisters, em "Heavenly Bodies". Eu adorei este lantejoulo em uma famosa obra-prima.

A melhor marca da noite foi Ariana Grande, que escolheu a obra de arte mais famosa do Vaticano como base para seu lindo vestido projetado por Vera Wang. “Esta é a parede do teto da Capela Sistina; é a cena do Julgamento Final, e é onde Cristo decide quem vai para o céu e quem vai para o inferno”, disse Grande.

A cantora não respondeu quando eu perguntei se ela já havia visitado a Cidade do Vaticano, mas Wang entrou na conversa: "Eu não sei se ela tem, mas ela sabia o que queria".
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Matéria de Sarah Cascone publicada originalmente no site do Artnet (artnet.com), em 08/05/18.

Casa Roberto Marinho abre com obras modernistas

Reunindo 1.473 peças de artistas como Tarsila do Amaral, Di Cavalcanti, Portinari e Guignard, a coletânea amealhada entre 1939 e 1989 serviu de base para a exposição “Modernos 10”, que inaugura o centro cultural Casa Roberto Marinho, em uma mansão aos pés do Corcovado no bairro do Cosme Velho, zona sul. Matéria de Marco Aurélio Canônico publicada originalmente no jornal "Folha de São Paulo", em 01/05/18. +

Em uma mansão aos pés do Corcovado, nas franjas da floresta da Tijuca —a do jornalista e empresário Roberto Marinho (1904-2003)—, uma das principais coleções privadas do modernismo brasileiro tornou-se acessível ao público desde o último sábado (28).

Reunindo 1.473 peças de artistas como Tarsila do Amaral, Di Cavalcanti, Portinari e Guignard, a coletânea amealhada entre 1939 e 1989 serviu de base para a exposição “Modernos 10”, que inaugura o centro cultural Casa Roberto Marinho, no bairro do Cosme Velho, zona sul.

“Era uma lacuna, não havia espaços públicos com o modernismo permanentemente exposto”, diz o arquiteto e antropólogo Lauro Cavalcanti, 64, diretor-executivo da instituição.

Para a abertura, ele selecionou 124 obras de dez artistas fundamentais do movimento —além dos já citados, estão Lasar Segall, José Pancetti, Ismael Nery, Djanira, Milton Dacosta e Burle Marx.

Entre as telas, Cavalcanti destaca “O Touro” (1925), de Tarsila, que estava na lista de obras que o Museu de Arte Moderna de Nova York almejava para sua mostra dedicada à pintora, em cartaz.

Também chamam a atenção quadros ligados mais diretamente ao patrono da casa, como “Boneco” (1939), de Pancetti —o preferido de Marinho— e um retrato de Stella Goulart, sua primeira mulher e mãe de seus quatro filhos, pintado em 1959 por Candido Portinari.

A exposição modernista ocupa o primeiro andar do solar do Cosme Velho, onde antes estavam os quartos, a biblioteca e o cinema.

Este, com capacidade para 34 pessoas, desceu para o térreo, onde também está uma segunda galeria, menor, com foco em arte contemporânea. Para a inauguração, ela foi ocupada por dez artistas que lidam com casas como tema —dentre eles Anna Bella Geiger, Daniel Senise, Luiz Zerbini e Carlos Vergara.

A reforma do casarão e a manutenção do instituto foram financiadas exclusivamente pela família, segundo Cavalcanti —ele não revela o orçamento de que dispõe, mas diz que ele supera em muito o do Paço Imperial, centro cultural federal que dirigiu por 22 anos, no Rio.

O espaço tem capacidade para 500 visitantes diários, mas seus administradores esperam receber inicialmente 200 pessoas por dia.

Na parte externa da casa, onde há um amplo jardim criado por Burle Marx e oito esculturas, os visitantes têm uma rara oportunidade de ver o rio Carioca num trecho despoluído, ainda próximo de sua nascente. Um café, uma microlivraria e um espaço educacional preenchem o resto do terreno.

O diretor-executivo diz ter recebido dos Marinho a missão de não tornar a casa um lugar de culto ao patrono.

Com isso, não há fotos ou busto de Roberto Marinho —apenas seu nome na fachada, um pequeno registro do local em que ficava seu quarto e, muito discretamente, no jardim, uma das quatro esculturas que ele criou.
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Matéria de Marco Aurélio Canônico publicada originalmente no jornal "Folha de São Paulo", em 01/05/18.

Inhotim e governo de Minas assinam acordo para transferência de 20 obras de arte

O empresário Bernardo de Mello Paz, criador do Instituto Inhotim, e o governo de Minas Gerais assinaram um acordo para que a propriedade de 20 obras de arte do acervo sejam transferidas ao estado como forma de quitar dívidas. Entre elas, estão trabalhos de Adriana Varejão, Cildo Meireles, Amílcar de Castro, Chris Burdene e Doug Aitken. Numa estimativa inicial, o empresário colocou em US$ 128,7 milhões (cerca de R$ 450 milhões) o preço das 20 obras. Matéria de Carolina Linhares publicada originalemnte no jornal “Folha de S. Paulo”. +

O empresário Bernardo de Mello Paz, criador do Instituto Inhotim, e o governo de Minas Gerais assinaram um acordo na última sexta-feira (27) para que a propriedade de 20 obras de arte do acervo sejam transferidas ao estado como forma de quitar dívidas. O termo ainda precisa ser homologado pela Justiça para ter efeito.

O acordo inclui quatro obras de Adriana Varejão, como "Celacanto Provoca Maremoto", painel que imita azulejos portugueses, e a escultura de azulejo “Linda do Rosário”. Também há a instalação “Desvio para o Vermelho” e a escultura de mesas e cadeiras “Inmensa”, ambas de Cildo Meireles e outras duas obras do artista.

A lista traz ainda a escultura de ferro “Gigante Dobrada”, de Amílcar de Castro, a escultura com vigas “Beam Drop Inhotim”, de Chris Burden, e o “Sonic Pavillion”, de Doug Aitken, de onde se ouve o som que vem da Terra.

Segundo o acordo, as obras não poderão ser vendidas pelo estado e permanecerão expostas no Instituto Inhotim, a quem caberá a guarda, manutenção, conservação e preservação dos bens. Assim como fez Paz com as obras de sua propriedade, o estado deverá ceder o patrimônio ao museu a título de comodato.

O objetivo do acerto não é o valor financeiro das obras, mas assegurar que o museu a céu aberto, considerado referência internacional, continue funcionando em Minas por muito tempo.

As obras foram oferecidas por Paz como forma de quitar dívidas de ICMS das suas empresas de mineração que se arrastam por mais de 25 anos. O débito foi calculado em R$ 471,6 milhões e era considerado de difícil recuperação pelo estado.
O empresário, porém, aderiu ao Plano de Regularização de Créditos Tributários, lei estadual aprovada ano passado que dá desconto aos devedores e permite o pagamento com obras de arte. Com a redução, a dívida total de dez empresas de Paz, que integram o Grupo Itaminas de mineração, cai para R$ 111,8 milhões.

O valor das obras, contudo, ainda não foi estabelecido. O governo e Paz têm agora 60 dias para apresentar um laudo cada com a avaliação de especialistas. A Justiça, no processo de homologação, também deve contratar peritos e estabelecer um preço. O menor dos três montantes é que será levado em conta, diz o acordo.
Caso o valor das obras seja menor que a dívida, Paz deverá pagar o que faltar, inclusive por meio de mais obras de arte. Mas, se o montante superar o débito, o que é mais provável, ele renuncia ao excedente. Numa estimativa inicial, o empresário colocou em US$ 128,7 milhões (cerca de R$ 450 milhões) o preço das 20 obras.

PERENIZAÇÃO
A proposta de transferência das obras, feita em novembro pelo empresário, resultou num acordo formal que também amplia a participação do governo na gestão do Inhotim. O estado terá um representante no Conselho de Administração do instituto.
O acordo determina que, sem a permissão do estado, o instituto não pode se desfazer de obras de arte ou de paisagismo, realizar fusões ou cisões, nem vender, alugar, transferir ou ceder seus terrenos. O museu também renuncia a indenizações e não pode se opor em caso de tombamento pelo governo mineiro.
A preservação do Inhotim foi condição imposta pelas secretarias de Cultura e Turismo para a celebração do acordo, firmado também pelas pastas de Planejamento e Fazenda. O museu em Brumadinho (MG), a 55 km de Belo Horizonte, é o segundo atrativo mais visitado em Minas.
Além das dívidas de Paz, sua idade avançada e sua condenação na Justiça lançavam incertezas sobre o futuro do Inhotim. Ele renunciou à presidência do instituto em novembro.
“Houve a necessidade de Paz de resolver um problema e o estado não poderia cometer a irresponsabilidade de deixar esse patrimônio sair de Minas”, diz o secretário de Turismo, Gustavo Arrais.

“Foi o Inhotim que realmente colocou Minas no cardápio do turismo mundial. Seria uma perda artística, cultural, histórica e turística irreparável. É fonte de geração de renda, emprego e prosperidade”, completa.

O secretário da Cultura, Angelo Oswaldo, afirma que o estado e o próprio empresário já tinham o propósito de evitar a venda do que considera o principal museu de Minas e perenizá-lo. “Qualquer país do mundo daria tudo pra ter Inhotim. Foi uma realização singular do governo entregar a Minas para sempre esse grande centro artístico e botânico.”

Os secretários mencionaram também que o estado ainda guarda o trauma de ter perdido o "Painel Tiradentes", de Candido Portinari, vendido por particulares ao governo de São Paulo em 1975, e não quer ter outra baixa cultural. Antes exposto no Colégio de Cataguases (MG), hoje o painel encontra-se no Memorial da América Latina, na capital paulista.

O diretor-executivo do Instituto Inhotim, Antonio Grassi, considerou o acordo uma vitória. "Dá ainda mais segurança para a preservação do projeto Inhotim e mostra o reconhecimento do estado sobre a importância do museu para inserir Minas Gerais no cenário internacional", afirmou em nota.

"O acordo garantirá a perenização do relevante acervo artístico em exposição no Inhotim, uma vez que as obras permanecerão no museu a título de comodato, sem possibilidade de serem removidas ou vendidas."

O acordo prevê, inclusive, que o estado fique com todas as obras em caso de dissolução do instituto. O termo ainda será submetido à avaliação do Ministério Público.

Além das empresas de Paz, ele próprio e o instituto são partes do acerto. Foi determinado ainda que o Grupo Itaminas deve manter os pagamentos de impostos em dia sob pena de multa de 100%.

Paz foi condenado pela Justiça Federal a nove anos e três meses de prisão por lavagem de dinheiro em setembro passado devido a transferências feitas de um fundo em paraíso fiscal às suas empresas.

A defesa recorreu ao Tribunal Regional Federal da 1ª Região, onde o processo está pronto para o voto do relator. “Recorremos por considerar a decisão injusta e fruto de equivocada interpretação do processo”, afirma o advogado Marcelo Leonardo.

INHOTIM
Todo o acervo do Inhotim é avaliado em US$ 1,5 bilhão. Em 2008, o museu foi transformado em uma organização não governamental do tipo Oscip (Organização da Sociedade Civil de Interesse Público), com contas dissociadas das empresas de Paz.
Em fevereiro passado, o empresário doou ao instituto todas as edificações e terrenos que formam o museu de cerca de 140 hectares. Em dez anos de existência, quase 2,7 milhões de pessoas visitaram o espaço com 23 galerias, 1.300 obras de arte e jardins com 4.500 espécies.
Além de investimentos de Paz e da verba de visitação, o Inhotim é financiado pelo governo de Minas e pela Lei Rouanet.
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Matéria de Carolina Linhares publicada originalemnte no jornal “Folha de S. Paulo”.

Capela do século XVI em Florença reabre após cuidadosa restauração

A restauração da Cappella Capponi do século 16 de Filippo Brunelleschi, magnificamente projetada em Florença, foi finalmente concluída após um ano de trabalho de restauração liderado por uma organização sem fins lucrativos americana, a Friends of Florence. Ela ajudou na reforma da capela, na limpeza e a restauração de obras de arte, que incluíam o retábulo maneirista de Jacopo Pontormo (1494-1557). Depois de 490 anos, a obra-prima entrou em um estado precário e precisava desesperadamente de reparos. Retoques extensos e verniz oxidado entorpeciam as cores, o pó e o acúmulo de fuligem escondiam partes da pintura, e os carunchos tinham comido alguns dos painéis e molduras. Matéria de Henri Neuendorf publicada originalmente no site do Artnet (artnet.com), em 20/04/18. +

A restauração da Cappella Capponi do século 16 de Filippo Brunelleschi, magnificamente projetada em Florença, foi finalmente concluída após um ano de trabalho de restauração liderado por uma organização sem fins lucrativos americana.
Na ausência de financiamento interno suficiente, Kathe e John Dyson, da organização Friends of Florence, financiaram a limpeza e reforma abrangentes que incluíam o retábulo maneirista de Jacopo Pontormo.

A capela Capponi, abrigada na igreja de Santa Felicita, foi encomendada pela família Barbadori por volta de 1422 e posteriormente comprada pelo nobre e banqueiro Lodovico di Gino Capponi, em 1525, para servir como mausoléu da família. Um ano depois, Capponi contratou a Pontormo para pintar os interiores. O artista e seu assistente, Agnolo Bronzino, se isolaram na capela por dois anos, impedindo o acesso de todos, até mesmo de seu patrono, enquanto trabalhavam.

"A composição da pintura, o vazio, o fato de que não há cruz, nenhum crucifixo, torna isso um trabalho realmente importante", disse Kathe Dyson sobre o retábulo, que retrata a Deposição de Cristo. “Isso realmente mostra o fim do Renascimento se movendo para a arte moderna. Ele [Pontormo] era um gênio. É incrível depois de ver todo o trabalho da Renascença, aqui está alguém que mudou o jogo. ”
Mas depois de 490 anos, a obra-prima de Pontormo entrou em um estado precário e precisava desesperadamente de reparos. Restaurações frustradas e intervenções arquitetônicas haviam prejudicado os trabalhos, a ponto de dois afrescos começarem a sair dos suportes de parede. Retoques extensos e verniz oxidado entorpeciam as cores, o pó e o acúmulo de fuligem escondiam partes da pintura, e os carunchos tinham comido através de alguns dos painéis e molduras.

“Nós simplesmente amamos Pontormo e sempre fomos ver essa pintura na igreja”, lembra Kathe Dyson, mas “realmente precisava ser restaurada”. Embora o país tenha uma longa tradição de apoio governamental às artes, sua infra-estrutura para doações particulares é mais fraco, então os Dysons se sentiram compelidos a entrar e preservar esse tesouro único.
“A maioria das pessoas que passa por aqui porque é uma pequena igreja e não há nenhuma sinalização que fale sobre 'o fabuloso Pontormo nesta igreja'”, disse ela. "Você só tem que saber."

Trabalhando em estreita colaboração com o ministério de conservação de Florença, a co-fundadora da Friends of Florence, Simonetta Brandolini d'Adda, contratou a renomada especialista em Pontormo, Daniele Rossi, para liderar o projeto.
"O jovem restaurador que fez isso é apenas um gênio", disse Dyson. "Agora vai ser acertado, vai ser cuidado, não haverá mais velas, e eles vão colocar uma placa na rua para isso. É emocionante e estamos muito felizes. Foi uma honra poder fazer isso ”.
Brandolini d'Adda acrescentou: “Estamos muito satisfeitos que a restauração tenha sido concluída com sucesso e que este magnífico tesouro no coração de Florença tenha reaberto. O interior da capela, a ornamentação e os afrescos são agora saudáveis e ainda mais cativantes”.
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Matéria de Henri Neuendorf publicada originalmente no site do Artnet (artnet.com), em 20/04/18.

Nova York tem até 15/5 para se despedir de Sudan e de sua família

A obra consiste em três rinocerontes em bronze empilhados e tem autoria dos australianos Gillie e Marc Schattner, que arrecadaram via crowfunding os US$ 50 mil necessários para montar a escultura. A peça foi criada para conscientizar o mundo em relação ao ilegal comércio de chifres de rinocerontes. +

O público em Nova York tem apenas até 15/5 para ver Astor Place a grandiosa e comovente escultura “Os Últimos Três”, de Gillie e Marc Schattner, em homenagem aos até então três últimos rinocerontes brancos do norte vivos no planeta: Sudan, Najin e Fatu, mas que agora são apenas dois. A peça de bronze de 4,5 metros de altura foi revelada poucos dias antes da trágica morte do Sudan, em 19/3/18, o único rinoceronte branco masculino restante, praticamente garantindo a extinção desta subespécie
A obra consiste em três rinocerontes em bronze empilhados e tem autoria dos australianos Gillie e Marc Schattner, que arrecadaram via crowfunding os US$ 50 mil necessários para montar a escultura. A peça foi criada para conscientizar o mundo em relação ao ilegal comércio de chifres de rinocerontes, que vale mais do que ouro, e esperam reunir um milhão de mensagens (com a hastags #GoodbyeSudan e #goodbyeRhinos) como uma petição aos governos chinês e vietnamita para reprimir o comércio do chifre.
O instagram do Mapa das Artes (#mapadasartesoficial) traz imagens como a de Joseph Wachira, 26, que conforta Sudan, o último rinoceronte branco do norte vivo no planeta, minutos antes de ser sacrificado por eutanária no Quênia, no dia 19/3/2018. Desde o ano passado Sudan sofria muito devido a graves problemas de saúde e à sua idade avançada. Sudan viveu seus últimos anos protegido no Parque de Conservação Ol Pejela, no Quénia, ao lado de sua filha Najin e de sua neta Fatu.
As fotos dos três rinocerontes e da escultura em Nova York são cortesia dos artistas Gillie e Marc Schattner; a fotografia de Joseph Wachira confortando Sudan é de autoria de Ami Vitale (National Geographic Creative), o memorial de Sudam e a última imagem são do twitter rememberingsudan (https://twitter.com/hashtag/rememberingsudan).

Steve Cohen doa a controversa “Virgem Maria”, de Chris Ofili, ao MoMA de NY

A pintura estará sempre associada à polêmica de 1999, quando o ex-prefeito de Nova York, Rudolph Giuliani, tentou baní-la da exposição “Sensation”, no Musu do Brooklin, que apresentava a produção da celebrada geração britânica conhecida como YBA (Young British Artists). A justificativa foi que a obra ofendia os católicos ao usar esterco de elefante em sua produção. O trabalho em técnica mista inclui tinta a óleo, glitter, resina de poliéster, colagem de imagens pornográficas e esterco de elefante na tela e na base. Artigo de Eileen Kinsella para o portal de notícias de arte www.artnet.com editado em 18/04/2018. +

A pintura estará sempre associada à polêmica de 1999, quando o ex-prefeito de Nova York, Rudolph Giuliani, tentou baní-la da exposição “Sensation”, no Musu do Brooklin, que apresentava a produção da celebrada geração britânica conhecida como YBA (Young British Artists). A justificativa foi que a obra ofendia os católicos ao usar esterco de elefante em sua produção. O trabalho em técnica mista inclui tinta a óleo, glitter, resina de poliéster, colagem de imagens pornográficas e esterco de elefante na tela e na base. Artigo de Eileen Kinsella para o portal de notícias de arte www.artnet.com editado em 18/04/2018.
A pintura que o ex-prefeito de Nova York, Rudolph Giuliani, tentou banir do Museu do Brooklyn m 1999 agora tem um lar permanente em Nova York. O bilionário gestor de fundos e mega-colecionador Steve Cohen doou a tela “Virgem Maria” (1996), de Chris Ofili, para a coleção do MoMA de Nova York, de acordo com a agência Bloomberg.
A pintura, que retrata uma Virgem Maria negra com esterco de elefante, bateu o recorde em leilão para a artista na Christie's Londres em junho de 2015, quando percebeu £ 2,9 milhões (US$ 4,5 milhões), presumivelmente com Cohen como comprador. A tela pertencia ao colecionador australiano David Walsh, proprietário do Museu de Arte Nova e Antiga da Tasmânia. Walsh comprou o trabalho do colecionador britânico Charles Saatchi, que o comprou diretamente do artista.
A pintura esteve associada a controvérsias desde que foi mostrada na seminal mostra “Sensation”, dos “Young British Artists “ no Brooklyn, em 1999. O então prefeito Giuliani disse que a pintura era um insulto aos católicos, porque continha vários pedaços de esterco de elefante, incluindo dois na base, apoiando a pintura.
Giuliani ameaçou cortar todos os subsídios para o museu e despejá-lo de seu prédio, mas os diretores se recusaram a ceder à pressão e o trabalho continuou à vista.
Giuliani finalmente abandonou sua batalha no ano seguinte, e o museu, por sua vez, desistiu de uma ação da Primeira Emenda que havia aberto contra o prefeito. A pintura retornou a Nova York em 2014, quando foi apresentada em uma grande retrospectiva do trabalho de Ofili no New Museum, intitulada “Night and Day”.
A curadora-chefe do MoMA, Ann Temkin, disse à Katya Kazakina, da Bloomberg, que a controvérsia de quase 20 anos não diminui os méritos do trabalho. “Deixando de lado sua história e notoriedade, é uma pintura magnífica”, disse ela. O museu acrescentará a “Virgem Maria” a mais de 30 obras da Ofili já em sua coleção permanente.
Em um e-mail para Artnet News, Temkin disse que a pintura é "uma extraordinária adição à nossa coleção", e chamando-a de "um trabalho singularmente importante de um artista cujas pinturas estão entre as melhores de sua geração".
Cohen, que é conselheiro do museu, doou US $ 50 milhões para a campanha de arrecadação de fundos do MoMA no ano passado, por meio da Fundação Steven e Alexandra Cohen.
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Artigo de Eileen Kinsella para o portal de notícias de arte www.artnet.com editado em 18/04/2018.

Galerias em Copenhague e Nova York fecham suas portas

O veterano galerista David Risley anunciou que irá fechar sua galeria homônima em Copenhague, depois de 18 anos para se concentrar em outros empreendimentos. Ao longo dos anos, Risley trabalhou com grandes artistas contemporâneos, incluindo Jake e Dinos Chapman, Alex Da Corte e Dexter Dalwood, e declarou que fará “todo o possível para ajudar os artistas”. Já a galeria Real Fine Arts, do Brooklyn (NY), que também confirmou que está fechando suas portas, anunciou em uma breve mensagem para amigos e artistas que dizia simplesmente: “A Real Fine Arts está fechada.” Matéria de Eileen Kinsella publicada na ArtNet News (artnet.com), em 23/04/18. +

Em uma carta sincera a artistas, colegas e amigos de hoje, o veterano galerista David Risley (foto) anunciou planos para fechar sua galeria depois de 18 anos, para se concentrar em outros empreendimentos. Risley abriu sua galeria epônima no East End de Londres em 2000 e mudou-se para Copenhague em 2009. Ao longo dos anos, Risley trabalhou com grandes artistas contemporâneos, incluindo Jake e Dinos Chapman, Alex Da Corte e Dexter Dalwood. Risley também co-organizou a Zoo Art Fair em Londres, um centro agora extinto de artistas promissores. Ele também era conhecido por organizar jogos de futebol durante as feiras de arte.

Em um e-mail, ele disse à Artnet News: "Farei todo o possível para ajudar os artistas e eles disseram que farão tudo o que puderem para me ajudar. Eu os ajudarei a encontrar novas galerias. Eu ajudarei com as exposições e comissões do museu em andamento. Continuaremos trabalhando juntos sem a galeria, onde e sempre que possível. ”

Risley não é o único comerciante a anunciar seu fechamento hoje. A galeria Real Fine Arts do Brooklyn também confirmou à Artnet News que está fechando suas portas. Em uma breve mensagem, que não poderia ser mais diferente da de Risley, a galeria enviou um e-mail para amigos e artistas que dizia simplesmente: “A Real Fine Arts está fechada.” O espaço, fundado em 2008 por Tyler Dobson e Ben Morgan-Cleveland, apresentou trabalhos de artistas como Caitlin MacBride, Lena Henke e Sam Pulitzer. Procurado pela Artnet News, Morgan-Cleveland se recusou a oferecer comentários adicionais.

Em sua carta, Risley concentrou-se na importância do artista no ecossistema do mundo da arte, dizendo: “Sem artistas não haveria feiras de arte, nem patrocinadores, nem colecionadores, nem consultores, nem críticos, nem revistas, nem museus, sem empresas de transporte, sem jantares de gala. Nenhum ‘Art World’.” Avançando, a Risley planeja focar no “Funkisfabriken”, um antigo prédio da fábrica na Suécia que ele planeja converter em um centro cultural multiuso. Ele descreve isso como “um projeto audacioso para realinhar arte, comida, negócios e inovação com sustentabilidade. O Funkisfabriken incluirá um restaurante com lixo zero, espaços para exposições e jardins de esculturas à beira do lago.”

A atual exibição na galeria, intitulada “Móveis de artistas: cadeira, cadeira, cadeira, candeeiro, mesa, cama, sofá” será a última. Agora foi estendida até o final de maio.
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Matéria de Eileen Kinsella publicada na ArtNet News (artnet.com), em 23/04/18.

Incapaz de pagar suas dívidas, a Bienal de Montreal pede falência

A bienal entrou com pedido de insolvência em 9/2/18, segundo documentos da Industry Canada. O evento tem uma dívida total de CAD 230.724,10 (cerca de US$ 179 mil, de acordo com documentos judiciais obtidos pela revista “Canadian Art”. Artigo de Tim Schneider para o portal de artes www.artnet.com editado em 29/3/18. +

Depois de formar uma nova parceria com o Musée d’Art Contemporain de Montreal (MAC) em 2013, a ressurgente Bienal de Montreal parecia pronta para incendiar o mundo das artes. Agora, em meio a crescentes dívidas, o evento ambicioso entrou oficialmente em falência.
A bienal entrou com pedido de insolvência em 9/2/18, segundo documentos da Industry Canada. O evento tem uma dívida total de CAD 230.724,10 (cerca de US$ 179 mil, de acordo com documentos judiciais obtidos pela revista “Canadian Art”.
O documento lista 33 credores, como a empresa canadense de transporte marítimo, armazenamento e serviços de arte Pacart, que detém a maior reivindicação, com quase US$ 67 mil; Sutton PR, empresa de relações públicas (US$ 19 mil), Artforum International (US$ 2,5 mil).
O mundo das artes conhece os problemas da Bienal de Montreal há algum tempo. A edição de 2013 foi adiada em um ano devido, em parte, a um aperto orçamentário. Então, no verão passado, seis meses após a edição de 2016 ter sido fechada ao público, várias agências de notícias informaram que artistas e prestadores de serviço ainda não haviam sido pagos por seu trabalho.
O presidente do conselho, Cédric Bisson, reconheceu que a posição financeira da exposição era “precária” e que a bienal cancelaria sua edição de 2018 como resultado (a revista “Canadian Art” observa que nenhum artista está incluído na lista oficial de credores; alguns confirmaram para a publicação que eles haviam sido pagos desde então).
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Artigo de Tim Schneider para o portal de artes www.artnet.com editado em 29/3/18.

A modernidade dos clássicos

Frans Hals (1582-1666), retratista de comerciantes ricos e malandros sorridentes da Época de Ouro holandesa, alinha-se hoje com os compatriotas Rembrandt e Vermeer no panteão da história da arte. Já Ann Demeester, diretora do Frans Hals Museum, de Haarlem, Holanda, prefere considerá-lo uma figura “trans-histórica” cuja influência avançou pelo tempo e chegou à arte contemporânea. Artigo de Nina Siegal, para o jornal “The New York Times”, traduzido e publicado no jornal “O Estado de S. Paulo” em 29/04/18. Tradução de Roberto Muniz. +

Frans Hals (1582-1666), retratista de comerciantes ricos e malandros sorridentes da Época de Ouro holandesa, fez muito sucesso em seu tempo, mas ao morrer já havia saído de moda. Suas pinceladas livres e vigorosas foram consideradas agressivas demais pelo século 18. Entretanto, no século 19 os impressionistas o redescobriram e o ressuscitaram como um mestre moderno.
Hoje, Hals alinha-se com os compatriotas Rembrandt e Vermeer no panteão da história da arte. Já Ann Demeester, diretora do Frans Hals Museum, de Haarlem, Holanda, prefere considerá-lo uma figura “trans-histórica” cuja influência avançou pelo tempo e chegou à arte contemporânea.
Assim, Demeester decidiu expor, de modo pouco usual, obras de Hals e outros mestres da Época de Ouro do acervo do museu ao lado de trabalhos de artistas vivos como a fotógrafa Nina Katchadourian, o multimídia Shezad Dawood e o pintor e escultor Anton Henning, numa mostra denominada Rendezvous with Frans Hals. Com isso, ela pretende mostrar que artistas contemporâneos ainda se inspiram no legado de 350 anos de Hals.
“Trans-histórico” é um termo bastante usado entre curadores, num momento em que museus buscam novos meios de despertar o interesse do público pela arte mais antiga. A fusão entre o velho e o novo vem atraindo a atenção de colecionadores em feiras de arte, como a Frieze New York. Casas de leilões também estão aderindo à onda. No ano passado, a Christie’s vendeu – num leilão de arte contemporânea – o quadro Salvator Mundi, de Leonardo da Vinci, por US$ 450 milhões.
A atual exposição vai até setembro, após o que o museu promoverá outras mostras nos mesmos critérios, como a Frans Hals and the Moderns, em fevereiro de 2019, com o pintor ao lado de impressionistas e pós-impressionistas. “A ideia é mostrar que a história vive”, disse Sheena Wagstaff, do departamento de arte moderna e contemporânea do Metropolitan Museum of Art. A mostra de 2016 do Met Breuer, braço do museu na Avenida Madison, Unfinished: Thoughts Left Visible, apresentou pinturas incompletas de diferentes épocas, de Ticiano a Lucian Freud, Gerhard Richter e Bruce Nauman. Ela está tendo sequência com Like Life: Sculture, Color and the Body (1300-Now), em exibição até 22 de julho, que traz uma junção não cronológica de 700 anos de esculturas do corpo humano.
Incluindo não apenas os grandes escultores, mas estátuas de cera e modelos anatômicos, a exposição inicia-se com uma escultura hiper-realista de Duane Hanson, de 1984, salta de uma escultura de Donatello, do século 15, para uma obra de El Greco, da Espanha Renascentista, e confronta um androide moderno com uma efígie de Jeremy Bentham, do século 19, feita com ossos do filósofo britânico. “A ideia da exposição é lançar e expandir o princípio de que a arte pode ser apreciada com uma visão mais populista”, disse Wagstaff.
Suzanne Sanders, historiadora da arte de Amsterdã, considera a curadoria trans-histórica “uma tentativa de urgência dos curadores de reinventar os museus. Pode-se tomar a palavra ‘trans’ em todos os seus sentidos: de ‘através da história’ a ‘transdiciplinar’, ou simplesmente para representar as coisas de modo inclusivo, na busca de um equilíbrio entre conhecimento ponto de vista.”
Entretanto, para James Bradburne, diretor da Pinacoteca de Brera, em Milão, a tendência é apenas um termo novo para o que os curadores sempre fizeram – levar as pessoas “de volta ao momento em que aquela arte era contemporânea”.
“Sempre tivemos de apresentar nossas coleções de um modo atualizado”, disse ele. “É como quando, numa peça de Shakespeare levada para uma plateia contemporânea, o ator se caracteriza de mafioso ou drag queen.”
Um ano atrás, o museu M, de Leuven, Bélgica, reapresentou sua coleção permanente sob o título Collection M: ThePower of Images e novos arranjos , como uma Pietà do século 14 ao lado de um quadro barroco do século 16 e de uma instalação de arte conceitual de 2009. “Quisemos sair um pouco da abordagem cronológica”, disse a diretora do M, Eva Wittocx. “Mesmo quem já conhece essas obras há muito tempo pode descobrir novos significados nelas, ou novos meios de admirá-las.”
O Kunthistorisches Museum, de Viena, cujo acervo permanente é de arte do Egito Antigo a 1800, pediu emprestadas 22 obras contemporâneas para a exposição The Shape of Time, em exibição até 8 de julho. O quadro de uma modelo nua cobrindo-se parcialmente com um abrigo de pele, do mestre flamengo Peter Paul Rubens, pintado em 1636/38, é mostrado ao lado de um nu frontal total dos anos 1970, da austríaca Maria Lassnig. “Nossa intenção foi tentar trazer à luz ideias, medos, sonhos e pesadelos ocultos nas obras históricas ”, disse Jasper Sharp, curador do museu. Outras escolhas, porém, provaram-se mais arriscadas. Amantes da arte comentaram a exibição de um autorretrato de Rembrandt ao lado de um color field de Mark Rothko. “Metade dos comentários foram na linha de ‘erro abissal’ e ‘Rembrandt deve estar se virando no túmulo’, admitiu Sharp.
Ann Demeester, do Frans Hals Museum, salientou que a história da arte é cacofônica. “Ao ampliar significados e criar novas histórias para o público, é importante que o museu pense mais como artista, menos sujeito a inibições que um historiador, para fazer conexões que atravessem o tempo, a cultura e a geografia.”
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Artigo de Nina Siegal, para o jornal “The New York Times”, traduzido e publicado no jornal “O Estado de S. Paulo” em 29/04/18. Tradução de Roberto Muniz.

Modigliani na Sotheby’s pode quebrar recorde

A pintura, “Nu Couché (Sur le Côté Gauche)” (1917), tornou-se instantaneamente uma das mais badaladas na próxima temporada de leilões na casa de leilão da Sotheby’s de New York. A obra pode quebrar o atual recorde de leilão de Modigliani, que é de US$ 170,4 milhões. A obra é propriedade do bilionário irlandês John Magnier. Matéria de Eileen Kinsella publicada originalmente no site do Atnet (artnet.com), em 24/04/18. +

Estima-se que uma pintura de um nu reclinado feita por Amedeo Modigliani será colocada à venda por US$ 150 milhões pela Sotheby's em 14/5/18. A casa de leilões diz que é a estimativa mais alta já colocada em uma obra de arte em leilão.
A pintura, “Nu Couché (sur le côté gauche)” (1917), também pode quebrar o atual recorde de leilão de Modigliani, que é de US$ 170,4 milhões.

Embora o artista tenha sido prolífico - ele tinha apenas 35 anos quando morreu de meningite tubercular em 1920 - a pintura é um dos cinco únicos de seus nus a ir a leilão. (A maioria está em coleções de museus.) Este também é o maior trabalho que Modigliani já fez, medindo cerca de 1,40 metros.

Se a pintura parece familiar para alguns espectadores, é porque ela foi incluída recentemente na exposição de grande sucesso da Tate Modern sobre o trabalho do artista, que reuniu 12 de seus nus, o maior número já mostrado no Reino Unido. Ele enfeitou a capa do catálogo da exposição.

É garantido que a pintura seja vendida. Ela carrega o que é conhecido como uma oferta irrevogável - uma oferta feita antes da venda por um comprador externo que garante que o trabalho seja vendido e diminui o risco da Sotheby.

Sua estimativa é maior do que as obras mais caras já vendidas, incluindo Salvator Mundi de Leonardo da Vinci (estimativa: na região de US$ 100 milhões) e Les Femmes d'Alger (Versão 'O') de Pablo Picasso (estimativa: US$ 140 milhões).

O nu faz parte de uma série que o artista criou para o comerciante e colecionador de Paris Léopold Zborowski. As pinturas causaram um escândalo quando foram exibidas pela primeira e única exposição individual de Modigliani na Galerie Berthe Weill em Paris em 1917. Uma multidão se formou do lado de fora da janela da galeria, onde um dos nus estava em exibição. A polícia exigiu o fechamento imediato da exposição.

A pintura deve eclipsar o recorde anterior de Modigliani para “Nu couché” (1917-18), que foi comprado pelo chinês Liu Yiqian na Christie's New York, em 2015.

Embora a Sotheby's não tenha nomeado o vendedor, tanto a Bloomberg quanto o Irish Times o identificaram como o criador de cavalos bilionário irlandês John Magnier. Bloomberg relata que Magnier comprou o trabalho em 2003 na Christie's por US$ 26,9 milhões.

Até o momento, mais de 1.300 obras de Modigliani foram licitadas, de acordo com o Price Database da artnet. As cinco principais obras foram vendidas por mais de US$ 50 milhões cada, enquanto um total de 13 obras foi vendido por mais de US$ 20 milhões.
A pintura "reimagina o nu para a era moderna", disse Simon Shaw, co-diretor mundial da Sotheby's do departamento de arte moderna e impressionista, em um comunicado. Ele chamou isso de "uma imagem incrivelmente sensual, com o olhar da babá encontrando o espectador de frente, com uma forma verdadeiramente hipnotizante".

Antes da venda, a pintura será exibida em Nova York em 4 de maio.
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Matéria de Eileen Kinsella publicada originalemnte no site do Atnet (artnet.com), em 24/04/18.

Nova York ganha murais com Charlie Brown e seus amigos

Kenny Scharf, AVAF (Assume Vivid Astro Focus, coletivo fundado por Eli Sudbrack), André Saraiva (grafiteiro luso-francês que assina Mr. A), Rob Pruitt, Nina Chanel Abney, FriendsWithYou (Samuel Borkson e Arturo Sandoval III) e Tomokazu Matsuyama têm obras na cidade. Projeto seguirá para Cidade do México, Paris, Berlim, Tóquio, São Francisco e Seul. Artigo de Sarah Cascone para o portal de arte www.artnet.com publicado em 18/04/18. +

Um projeto de arte pública corporativa atingiu Nova York e em breve estará em outras cidades do mundo inteiro. O projeto é baseado em Charlie Brown, Linus, Lucy e outros personagens de “Peanuts” (Minduim), a amada tira de Charles M. Schulz. Uma jogada inteligente de marketing para o Snoopy e sua turma, os murais foram instalados inicialmente em Nova York, e depois seguirão para Cidade do México, Paris, Berlim, Tóquio, São Francisco e Seul.
A mostra de arte pública é o trabalho de conhecidos artistas contemporâneos, como Kenny Scharf, Rob Pruitt, Nina Chanel Abney, AVAF (Assume Vivid Astro Focus, coletivo fundado por Eli Sudbrack), FriendsWithYou (Samuel Borkson e Arturo Sandoval III), Tomokazu Matsuyama e o grafiteiro André Saraiva, que atende por Mr. A.
Os artistas foram contratados para criar suas próprias interpretações das criações icônicas de Schulz pela Peanuts Worldwide, que gerencia os direitos de uso dos personagens do Peanuts. O cartunista, que morreu em 2000, inspirou gerações de crianças com seu trabalho, que se tornou a base do clássico “A Charlie Brown Christmas” e outros especiais e filmes de televisão.
“Eu aprendi a desenhar copiando personagens e faixas do Peanuts mais e mais”, escreveu Rob Pruitt no site do projeto. Em seus desenhos de mural, ele associou o Snoopy a um urso panda, um animal que se tornou a sua assinatura.
“Quando criança eu desenhava todos os meus desenhos favoritos. Poder filtrar o “Peanuts” através da minha lente criativa é definitivamente um sonho de infância se tornando realidade”, acrescentou Nina Chanel Abney.
Em Nova York, os murais estão todos em prédios de escritórios no centro, agrupados no lado oeste, perto da Hudson Square. Eles foram revelados em 16/4/18, com um mapa mostrando suas localizações disponíveis no Museu das Artes das Crianças.
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Artigo de Sarah Cascone para o portal de arte www.artnet.com publicado em 18/04/18.
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Conheça abaixo os principais personagens de “Peanuts”/Charlie Brown

• Charlie Brown: Um garoto azarado e melancólico. No Brasil, tem o apelido de "Minduim".
• Snoopy: O cachorro beagle de estimação de Charlie Brown. Apesar de ser um cachorro, datilografa histórias, e até joga no time de beisebol. Entre as identidades que assume em suas obras estão Joe Cool e um aviador combatendo o Barão Vermelho.
• Linus van Pelt: O melhor amigo de Charlie Brown, vive andando com um "cobertor de segurança".
• Lucy: A mal-humorada irmã mais velha de Linus. Gosta de maltratar Charlie Brown, em especial ao jogar futebol americano.
• Schroeder: Um garoto pianista fã de música clássica, objeto de afeição de Lucy.
• Patty Pimentinha (Peppermint Patty): Uma garota esportista e ingênua.
• Marcie: A amiga estudiosa de Patty, a quem chama de "Senhor" ou "Meu".
• Chiqueirinho (Pig-Pen): Um garoto sempre sujo.
• Sally Brown: A irmã mais nova de Charlie Brown, que tem uma queda por Linus e uma propensão a dizer frases estúpidas.
• Franklin Armstrong: Um garoto que gosta de esportes.
• Woodstock: Pássaro que é o melhor amigo de Snoopy.

Por que as fotos de Peter Hujar são tão ressonantes hoje em dia

Se a fotografia de retrato é estereotipicamente discutida em termos de capturar algo revelador ou verdadeiro sobre aquilo que só pode ser visto com uma câmera, Hujar está defendendo uma outra função do retrato. Ele não está atrás da verdade, mas permitindo que as pessoas sejam vulneráveis, compartilhem algo pequeno de seus eus particulares. A aparência fotográfica de Hujar é suave. Artigo de Ashton Cooper para o portal de arte Artnet (www.Artnet.com) publicado em 23/04/18. +

A elogiadíssima mostra do fotógrafo norte-americano Peter Hujar (1934-1987) na Morgan Library, em Nova York, tem sido uma fonte constante de comentários desde sua abertura no começo deste ano e, naturalmente, cresceu durante recentes visitas de artistas como Scott Treleaven e Paul P., os quais já exibiram seus trabalhos ao lado de Hujar no passado.

Apesar de reconhecer seu amor pelas fotos, eles se perguntaram, depois de todos as mostras de fotografias de Hujar nos últimos 15 anos (incluindo uma no MoMA PS1 e várias individuais em galerias), por que essa mostra tem recebido tantos elogios?

É a instalação pensativa? É a inclusão de uma ampla variedade de seu trabalho? É nossa obsessão em ver a verdadeira Manhattan dos anos 70 e os artistas autênticos que nunca se esgotam? Ou é simplesmente o trabalho de Hujar que nos diz alguma coisa neste momento específico e que precisamos ouvir?

Essas perguntas estavam em minha mente durante várias visitas à mostra, que é composto de 164 fotografias em preto e branco que estão penduradas em um único quarto pintado de cinza quente, fazendo com que pareça não apenas de tamanho razoável, mas também íntimo e privado.

Uma opção de exibição especialmente eficaz é exibir uma única imagem -geralmente uma icônica, como o bem conhecido retrato de Susan Sontag, de 1975, de Hujar reclinando-se sedutoramente em uma camisa de gola alt - à esquerda de uma grade de quatro obras que detalham seu conteúdo. À direita do retrato de Sontag, por exemplo, estão retratos de Fran Lebowitz (1974), Charles Ludlam (1975), Bill Elliot (1974) e Dean Savard (1984), todos em estados de repouso lânguido. Juntos, eles formam um grupo encantador de corpos masculinos representando poses convencionalmente deixadas para o nu feminino.

Outro aspecto bem concebido da instalação é a grade de 40 fotos na parede do fundo, que ancora a exposição no método de Hujar de pendurar as obras. Hujar preferiu mostrar as obras em uma grade que incorporava uma mistura de assunto, como em sua última exposição na Gracie Mansion Gallery, em janeiro de 1986, pouco antes de morrer de pneumonia relacionada à AIDS.

O curador Joel Smith fez uma escolha clara para pendurar toda a exposição, seguindo a preferência de Hujar por misturar imagens de humanos, animais, paisagens urbanas e fotos do rio Hudson.

Em um retrato de Edwin Denby (1975), que retrata o poeta ágil e crítico de dança em seus últimos anos, Hujar fotografa Denby com o cabelo despenteado sentado na cama. Usando uma profundidade de campo extremamente rasa, Hujar captura apenas o rosto de Denby e um pouco da sua camisa protuberante em foco. Esta superficialidade até exclui as orelhas de Denby, que em sua imprecisão são empurradas para o fundo. O efeito de tudo isso é fazer com que eu sinta que eu inclinei meu próprio rosto tão perto de Denby, que eu sou capaz de perceber a imediação de seus olhos, nariz e boca. Hujar criou a sensação de um momento particular entre Denby e eu, uma sensação de proximidade corporal compartilhada.

Em Randy Gilberti’s Legs (1981), a foto mostra as pernas do sujeito dos joelhos para baixo com os recortes sutis deixados pelo elástico das meias evidente em seus tornozelos. "Quero que as pessoas sintam a imagem e a cheirem", disse Hujar sobre sua abordagem ao nu.

Um dos prazeres desse show é descobrir que a ternura atenta de Hujar também se estende a seus muitos retratos de animais. Em Goose-Germantown (1984), Hujar usa uma profundidade de campo semelhante ao retrato íntimo de Denby. O ganso branco titular está de frente para a câmera, olhando diretamente para a lente, os olhos, o bico e o peito bulboso em foco, enquanto a paisagem esparsa borra ao fundo. Há várias outras justaposições entre animais e humanos durante o show: Horse in West Virginia (1969) e Reclining Nude on Couch (1978) ou Great Dane (1981) e Nude Backstage (Companhia Teatral Ridícula, “Eunuchs of the Forbidden City”, Westbeth) (1973).

Se a fotografia de retrato é estereotipicamente discutida em termos de capturar algo revelador ou verdadeiro sobre aquilo que só pode ser visto com uma câmera, Hujar está defendendo uma outra função do retrato. Ele não está atrás da verdade, mas permitindo que as pessoas sejam vulneráveis, compartilhem algo pequeno de seus eus particulares. A aparência fotográfica de Hujar é suave.

Tenho certeza de que o trabalho dele é urgente para muitos de nós agora -especialmente aqueles com corpos que são marginalizados e ameaçados- por uma série de razões, mas é essa gentileza que se destaca para mim.
A fotografia de Hujar simboliza e monumentaliza atos de ternura e momentos de vulnerabilidade, coisas que ultimamente se sentem cada vez menos praticáveis e, por isso, cada vez mais importantes.
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“Peter Hujar: Speed of Life” está em cartaz na The Morgan Library & Museum (225 Madison Avenue com 36th Street), em Nova York, até 20/5/18.
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Artigo de Ashton Cooper para o portal de arte Artnet (www.Artnet.com) publicado em 23/04/18.