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Como escolher a melhor residência artística na Europa?

Artistas de todo o mundo buscam residências no continente europeu para reforçar seus networks e currículos, mas a qualidade das experiências e as condições oferecidas variam, tornando difícil discriminar onde estão as verdadeiras joias. +

Para artistas que buscam reforçar seus currículos e networks, as residências podem ser a configuração perfeita, proporcionando espaços para criação, estimulando contextos e contatos com colegas, curadores e compradores, além de fortalecer suas redes e promover suas carreiras.
Mas, à medida que as residências artísticas proliferam, a qualidade das experiências e as condições oferecidas variam, tornando difícil discriminar onde estão as verdadeiras joias.
Em busca das melhores oportunidades que podem ser encontradas no continente europeu, a equipe europeia do portal "Artnet" conseguiu a opinião de especialistas experientes, entre eles, a artista vencedora do Prêmio Turner Laure Prouvost, a curadora do KW de Berlim Anna Gritz, o diretor e curador chefe do DRAF London Vincent Honoré, a artista Salomé Lamas, o curador independente João Laia e o curador do Institute of Things to Come Valerio del Baglivo.

Confira a lista
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Villa Lena, Toscana, Itália.
A residência da Fundação Villa Lena ocorre entre abril e outubro de cada ano, no coração da Toscana. O programa oferece estadias de um ou dois meses com acomodação em sua vila do século XIX e espaços de estúdio de até 120 metros quadrados. Os residentes não recebem salário, mas a localização deslumbrante e a companhia de artistas (Sam Falls e Nina Beier estão entre os residentes deste ano) são o que torna Villa Lena tão desejável.

Akademie Schloss Solitude, Stuttgart, Alemanha.
Oferecendo residências que variam de 3 a 12 meses, o Schloss Solitude é um show de sonhos, situado num palácio de estilo rococó no nos arredores de Stuttgart que foi construído em 1764-69 como um refúgio de caça para Duke Charles Eugene. Bolsas de estudo para residentes incluem um ateliê, salário mensal de € 1.150 e despesas de viagem. A Akademie também oferece uma série de outras vantagens, incluindo o transporte de materiais para e de Stuttgart; seguro médico para estrangeiros e subsídios para comprar materiais e promover projetos.

Fundação Camargo, Cassis, França.
O Programa Principal da Fundação Camargo oferece aos seus residentes US$ 250 por semana (210 €) e os abriga em um local deslumbrante no sul da França, com vista para o Porto de Cassis. Funcionando como residências de oito semanas no outono, com estadias mais longas disponíveis na primavera (seis, oito ou onze semanas), alimentos e viagens são cobertos e crianças ou parceiros podem acompanhar o artista, pensador ou estudioso escolhido entre os 18 bolsistas anuais.

Tabakalera, San Sebastian, Espanha.
A instituição espanhola, localizada na bela cidade costeira de San Sebastian, no País Basco, oferece inúmeras residências interessantes para artistas e curadores. As residências atraem projetos de pesquisa artística daqueles que buscam alocar tempo, espaço e fundos para desenvolver e formalizar ideias. Com duração de um a três meses, a residência inclui um salário mensal de € 1 mil, seguro médico para estrangeiros, despesas de viagem, alojamento e espaço de estúdio, uma doação de pesquisa de € 4 mil e um orçamento de produção de até € 25 mil.

Künstlerhaus Schloss Balmoral, Bad Ems, Alemanha.
Os moradores de Balmoral Schloss moram em uma vila renascentista italiana de três andares, situada na histórica cidade termal de Bad Ems. São oferecidas duas bolsas residenciais de três meses a nove meses para artistas visuais internacionais, bem como uma bolsa de nove meses para um curador de língua alemã e inglesa. Os sortudos recebem alojamento e um salário mensal de € 1.400. O que é único nesta residência é que as bolsas são oferecidas em apenas um gênero ou tema artístico a cada ano.

Rolex Mentor e Protégé, Suíça.
Este programa de prestígio na Suíça é apenas para indenizações, e os jovens artistas talentosos devem aprovar sete painéis diferentes antes de serem acompanhados por artistas de destaque (Joan Jonas está entre os mentores deste ano) para um relacionamento de acompanhamento individual de um ano . Cada selecionado recebe CHF 25.000 (€ 22.000), bem como despesas de viagem e maiores. Um adicional de CHF 25.000 (€ 22.000) também está disponível para criar um novo trabalho após o fim do ano.

Fundação Rockefeller Bellagio Center, Lago de Como, Itália.
A residência Bellagio Arts & Literary Arts é para compositores, escritores, dramaturgos, poetas, video / cineastas, dançarinos, músicos e artistas visuais estabelecidos. Eles agora realizam um convite aberto anual para propostas (o próximo abre em outubro) que se alinham com os focos filantrópicos da Fundação Rockefeller. Até 120 residentes estão alojados em uma propriedade de 50 acres nas margens do Lago Como, para estadias até um mês.

Pavillon Neuflize OBC, Paris, França.
Esta residência, criada por Ange Leccia, abriga jovens artistas internacionais patrocinados por um curador do Palais de Tóquio por um período de oito meses de novembro a junho. Com foco na cena emergente da arte contemporânea, a residência de prestígio oferece uma subvenção mensal de € 1.000, um estúdio na Cité Internationale des Arts em Paris, acesso a espaços de trabalho do Palais de Tokyo e pagamento de todas as despesas relacionadas ao programa, incluindo pesquisa, viagens e custos de produção.

Programa DAAD Artists-in-Berlin, Berlim, Alemanha.
Um dos programas internacionais mais conhecidos do mundo, o DAAD oferece 20 residências em artes visuais, literatura, música e cinema. Um jurado nomeia artistas visuais para convite, e artistas em outros campos podem se candidatar. Com estadias de duração de cerca de um ano (seis meses para cineastas), as despesas de viagem e os cuidados de saúde são cobertos, e as parcelas de concessão mensais são oferecidas para despesas de vida e aluguel. Além disso, os artistas recebem um curso gratuito em alemão.

Iaspis, Estocolmo, Suécia.
O Programa Internacional de Estúdio de Artistas em Estocolmo é um programa de intercâmbio financiado pelo Governo sueco. Os residentes podem trabalhar em um dos 12 estúdios na Suécia, ou, para os artistas do país, vários estúdios no exterior. Os estúdios são anunciados uma vez por ano e as residências funcionam por seis meses (abril a setembro e outubro a março). Os candidatos podem candidatar-se a doações de trabalho de um a cinco anos que variam de 100.000-133.000 SEK (€ 10.500-14.000).

O melhor para artistas emergentes

Estes são provavelmente os que têm as condições econômicas menos atraentes (na melhor das hipóteses, as despesas e a acomodação estão cobertas), mas ninguém disse que ser um artista emergente legal era fácil ou lucrativo.

Bethanien, Berlim, Alemanha.
Esta residência de Berlim é um verdadeiro rito de passagem para artistas emergentes. Muitos, de fato, continuam na cidade após o ano em Bethanien. Os custos são cobertos por bolsas internacionais, que incluem uma subvenção mensal para os custos de vida durante a duração da estadia dos artistas (a quantidade específica depende do financiador e do tempo de permanência). A subvenção também abrange o aluguel de estúdio, um montante fixo para materiais e a apresentação de um projeto final nas galerias Künstlerhaus Bethanien.

Gasworks, Londres, Inglaterra.
A instituição do sul de Londres organiza até 16 residências a cada ano, convidando artistas internacionais emergentes a viver e trabalhar em Londres por três meses. Os residentes são selecionados através de chamadas abertas e recebem acesso 24 horas a um estúdio na Gasworks; um quarto individual dentro da Gasworks Residences House; despesas básicas de vida e transporte em Londres; e despesas de viagem.

Rupert, Vilnius, Lituânia.
Este centro de arte ultramoderno da Lituânia tornou-se um local de peregrinação para artistas, curadores e escritores desde o lançamento em 2013, apesar de suas residências não serem particularmente bem dotadas. As residências realmente custam dinheiro: 450 € por mês para aluguel de estúdio, utilitários, suporte administrativo e duas visitas ao estúdio. (Uma advertência a esta ressalva: metade das residências são de graça, graças ao apoio do Conselho Lituano para a Cultura e outras subvenções).

Cripta747, Turim, Itália.
Turim está se tornando um centro para artistas emergentes na Itália, e essa residência, que dura seis a oito semanas, é a introdução perfeita à vida no berço de Arte Povera. Os residentes recebem uma bolsa de € 5.500 para toda a estadia, que abrange um subsídio diário, acomodação, aluguel de estúdio na Cripta747 e custos de produção.

Triângulo Marselha, Marselha, França.
A cena da arte na cidade portuária no sul da França é decididamente próspera: uma comunidade artística crescente, sol, praias e sua própria feira de arte boutique, Art-O-Rama, são apenas algumas das vantagens para os jovens artistas que procuram por um período lá. As residências de três meses oferecem aos artistas uma sala em um apartamento no centro da cidade, um estúdio, uma concessão de produção de €1.000, suporte técnico, assistência na busca de materiais, técnicas, parcerias e visitas de estúdio para profissionais.

Wiels Residency, Bruxelas, Bélgica.
Bruxelas está se tornando um dos melhores destinos de artistas na Europa e é fácil ver por que: a cidade possui rendas baratas, uma comunidade de artistas conviventes e uma animada cena de arte composta de instituições interessantes, galerias, organizações sem fins lucrativos e feiras de arte. WIELS é uma das instituições mais interessantes da cidade, e sua residência de um ano está provando ser um viveiro de arte emergente. A WIELS oferece aos seus residentes um espaço de trabalho individual (de 45 metros quadrados) e um contexto destinado a promover o intercâmbio com a vida artística e cultural de Bruxelas.

O Santo Graal dos Jovens Artistas: Holanda
Poucos países combinam com a Holanda quando se trata de financiar as artes visuais. Na verdade, alguns dos mais generosos e mais prestigiados programas de residência são baseados lá, tornando-os dignos de sua própria seção dedicada por si só.

Rijksakademie, Amsterdã.
A Rijksakademie oferece residências para cerca de 50 artistas, com uma duração de um ano, com a possibilidade de uma extensão de ano. Os residentes se beneficiam de um estúdio, um orçamento de trabalho de € 1.500 e um salário de € 12.200, além de infra-estrutura para pesquisa e produção.

De Ateliers, Amsterdã.
A De Ateliers oferece períodos de trabalho de dois anos, com um salário anual de €13.655 e um estúdio privado. A taxa de tutorial para 2017-2018 é de € 3.200, que é deduzido do salário.

Jan Van Eyck Academie, Maastricht.
Este instituto pós-acadêmico oferece 35 a 40 residências por ano, com duração entre seis e doze meses. Os residentes recebem um salário mensal de € 900, a partir do qual os custos de aluguel e de vida são deduzidos (os quartos custam cerca de € 350-500 por mês). A taxa de inscrição no Van Eyck é de € 2.750 anualmente. Cada participante obtém um estúdio, um orçamento de produção individual de 2.000 € por ano e conselhos de artistas experientes, designers, curadores e críticos de arte, que fazem visitas regulares ao estúdio.

Diogene Bivaccourbano_R, Turim, Itália.
Esta residência oferece estadias aproximadamente de dois meses em Turim, onde os artistas vivem e trabalham dentro de um bonde. Os residentes recebem uma doação de pesquisa de € 6.000, orientação dos artistas do grupo Diogene ("um grupo artístico auto-identidade de pessoas que trabalham em conjunto para criar um lugar para refletir e trocar idéias sobre as questões e os meios da prática artística contemporânea"), e a oportunidade de trabalhar com estudantes nas escolas locais.

Caribic Walking Residency, vários locais.
Há pouca informação sobre o processo desta residência itinerante, exceto que um artista residente hospeda outro e, em uma intensa experiência de dois dias, andam juntos, geralmente de uma cidade para outra, compartilhando ideias. A lista de residentes caribenhos recentes é impressionante, incluindo Amalia Ulman, Jeremy Shaw e Paul Simon Richards.

Bauhaus Residence, Dessau, Alemanha.
Em 2016, o Património Mundial da UNESCO foi revivido pela Fundação Bauhaus Dessau para as residências de três meses nas emblemáticas Casas dos Mestres. Essas três casas geminadas eram populares entre os coletivos de artistas na década de 1920 e hospedaram os gostos de Walter Gropius e Wassily Kandinsky. Os residentes recebem um espaço de trabalho e de trabalho na Muche / Schlemmer House, um subsídio mensal de € 1.200, e apresentações finais de seus trabalhos na Casa Gropius.

Residência SKLAD, Sokhumi, Abkhasia.
Os residentes da SKLAD podem apoiar a cena artística regional de Abkhasia, um estado pouco conhecido e apenas parcialmente reconhecido ao noroeste da Geórgia. O programa é projetado em torno de um período de um ano e até seis residentes podem permanecer por pelo menos duas semanas na cidade costeira do Mar Negro da Sokhumi. Oferece acomodações, orçamentos individuais modestos para materiais e um espaço de exposição / estúdio de 150 m2, onde os residentes devem apresentar trabalho no final da sua estadia.

COLLIDE Artists Residency, Genebra, Suíça.
Esta residência única procura desenvolver conhecimento especializado nas artes através de uma conexão com uma ciência fundamental. O programa oferece uma residência totalmente financiada com dois meses de experiência na Organização Europeia de Pesquisa Nuclear (CERN) em Genebra e um mês na Fundação para Arte e Tecnologia Criativa (FACT) em Liverpool, bem como um prêmio de CHF 15.000 (€ 13,000).
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Matéria de Lorena Muñoz-Alonso & Naomi Rea para o artnet News, em 04/09/17.

Projeto bilionário, o Louvre Abu Dhabi, abrirá as portas em novembro

A inauguração do museu nos Emirados Árabes foi confirmada para o dia 11 de novembro deste ano, com um tesouro de 300 obras emprestadas pelos principais museus da França, não só do Louvre, mas também do Musée d’Orsay, do Centre Georges Pompidou e de Versailles. +

A inauguração ocorre uma década depois que a França e os Emirados Árabes Unidos assinaram um acordo de 30 bilhões de euros (10 bilhões de dólares) que iniciou o projeto. O presidente francês, Emmanuel Macron, deverá participar do corte de fita.

O museu da Ilha Saadiyat possui uma coleção de mais de 600 obras de arte que abrangem o de 3 mil anos a.C. até o presente. Talvez o elemento mais destacado do projeto seja o tesouro de 300 obras emprestadas pelos principais museus da França, incluindo não só do Louvre, mas também do Musée d’Orsay, do Centre Georges Pompidou e de Versailles, entre outros.

Os empréstimos representam um intercâmbio cultural sem precedentes entre as duas nações – e constituem um rolo de destaque da história da arte ocidental, das pinturas de Leonardo Da Vinci e Giovanni Bellini a Paul Gauguin e Piet Mondrian.

Abu Dhabi pagou a França US$ 525 milhões para licenciar o nome do “Louvre”, e US$ 750 milhões adicionais para contratar pessoal da França para supervisionar as obras emprestadas, de acordo com o Washington Post. O acordo inclui o empréstimo de exposições por 15 anos e o empréstimo de obras de arte por uma década.

A coleção não será organizada cronologicamente. Em vez disso, as obras serão unidas por temas como o alvorecer da globalização, a representação do poder e a representação do divino. Uma galeria dedicada a textos religiosos antigos abrirá uma folha do “Alcorão Azul”, uma Bíblia gótica, um Pentateuco e textos do Budismo e do Taoísmo.

Fora do museu, as instalações locais específicas dos artistas contemporâneos Jenny Holzer e Giuseppe Penone receberão visitantes. O complexo também inclui um centro de estudo, um museu para crianças, restaurantes e uma loja.
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Matéria publicada originalmente no site da revista Das Artes, (www.dasartes.com.br/noticias), em 06/09/17.

Museu à beira do oceano

Artigo da jornalista e editora Paula Alzugaray para a mostra "A Invenção da Praia: Cassino", em cartaz no Istituto Europeo di Design, no Rio de Janeiro, entre 11/9 e 16/9/17. +

Para Katuschak e Domingo, minha avó dançarina e meu pai artista de cinema

Em reportagem de capa do Diário Carioca, em 8 de agosto de 1936, um político conhecido como “senador dos cassinos” é cobrado por uma explicação, atitude ou gesto que esclarecesse os escândalos envolvendo a Prefeitura do Rio de Janeiro. “Vamos, Senador, Vida às Claras, ao Menos Uma Vez...”, exclama a chamada. Contrariando as expectativas, diz o texto, o homem permaneceu em silêncio, recolheu-se à sombra e à omissão, “quando seu dever de representante da Nação era destruir as acusações ou renunciar o mandato”.
O senador dos cassinos é mais um folião da corrupção infiltrada nos grandes bailes de máscaras da política nacional. A história dos laços entre um senador frequentador da Urca, os dirigentes de um estaleiro e o responsável por um órgão público da cidade, nos anos 1930, repete-se na esbórnia generalizada hoje entre políticos, empresários e funcionários públicos. Nada mudou. Silêncio e omissão são as leis da política brasileira.
Talvez por isso as ruínas do Cassino da Urca sejam tão ameaçadoras. Elas revelam um flagrante entrelaçamento entre passado e presente, entre luz e sombra. Os escombros do que um dia foi a estrela soberana na noite carioca, a casa noturna mais frequentada da América Latina, encobrem não apenas casos notórios, mas fatos incógnitos que nunca chegaram a ser desmascarados. Através das frestas nas paredes adivinham-se os risos e os rumores que selaram tramas, conspirações, sabotagens, crimes cinematográficos, como o noticiado assalto de joias, arquitetado pelo chefe da Seção de Roubos e Furtos da Diretoria Geral de Investigações (DGI) do Rio, com o envolvimento estratégico do porteiro do cassino [1].
Sobre as brancas areias da Urca, nesse palácio de vícios e prazeres, reunia-se a fina flor da boemia artística carioca. A inauguração do Cassino da Urca, em 1933, coincide com o nascimento da era de ouro da música popular brasileira – 1932 foi o Carnaval de Noel Rosa – e com os tempos sombrios de ditadura e de guerra. Tempos de vigilância e paranoia, quando os artistas da noite eram fichados pela Delegacia de Ordem Política e Social (Dops) do Estado Novo.
Então lugar de insubmissão, o cassino é hoje um museu do esquecimento. Longe de suas feições originais – descaracterizadas em décadas de ressignificações e abandono –, sem que se possa recorrer a fichários, álbuns ou arquivos que documentem e elucidem seus dias de gloria e ruína, o cassino ganha discernimento no projeto A Invenção da Praia. Na forma de espectros e reinvenções, os trabalhos realizados por 12 artistas convidados reelaboram sua arqueologia e sua memória.

A invenção da identidade

Em sua presença invisível e inquietante, os ratos, evocados a participar do trabalho de Laura Lima, se relacionam tanto com a corrupção tramada nos salões do cassino, quanto com as narrativas e os corpos de todos aqueles profissionais que foram mergulhados na clandestinidade em 1946, após repentina proibição dos jogos de azar e o fechamento do Cassino da Urca.
Em 1940, quando se contavam oficialmente 79 cassinos no Brasil, os conúbios ilícitos eram tais que o governo Vargas, tido como “sócio” das casas de tavolagem, teria estabelecido uma lei que dispunha que, se um dia o jogo fosse proibido, o Estado pagaria indenização aos proprietários e as dívidas trabalhistas com os funcionários demitidos [2]. Paradoxalmente, a sociedade vivia marcada por uma política de punição corporal de pensamento higienista, articulada por uma rede de investigação a pretexto de defesa da ameaça comunista.
Esse “regime de corpos”, segundo o historiador Durval Muniz de Albuquerque Júnior, considerava o artista da noite suspeito até prova em contrário. “Por ser um corpo fora do normal, por ter habilidades que não são comuns a um corpo que, naquele momento, no Brasil, era pensado como um corpo masculino, rígido, militarizado, corpo higienizado e moralizado” [3].
A guerra na Europa reforçava fronteiras dentro do território brasileiro. Nomadismo, para o Estado, era antagônico ao controle. Era preciso um documento de salvo-conduto para passar de um estado a outro. Artistas de cassinos, que transitavam por toda a costa sul-americana, do Recife a Buenos Aires, eram alvo número 1. Para circular livremente, fazia-se necessário falsificar, disfarçar, fantasiar.
Assim nasceram as personalidades exóticas, exuberantes e fantasiosas dos artistas da noite. Como a princesa bailarina Alda Bogoslowa, supostamente nascida na Rússia entre 1891 e 1892. Segundo notícia do Diário de Pernambuco (1929), ela teria pertencido ao elenco do Theatro Imperial Russo, passado por Áustria, Alemanha e Holanda com grande reconhecimento, e pelo cabaré Folies Bergère, em Paris, antes de chegar ao Recife para dançar no Imperial Cassino [4]. Ou como Magdalena de Mejia, conhecida na vida artística como Lidia Campos, nascida em Rosário, na Argentina. Cantora em cabarés, dancings e cassinos, na Argentina travestia-se de Mariak de Mendonça, a Soberana da Canção Brasileira; e, no Brasil, era anunciada como La Reina del Tango [5].
Rato (2017), de Laura Lima, evoca essas identidades perdidas. Assim como a videoinstalação Travessia (2017), de Sonia Guggisberg, que, ao abordar as migrações contemporâneas, trabalha com vidas em estado de suspensão. Com cenas e sons captados no Mar Mediterrâneo e em campos de refugiados em Malta, Lampeduza e Grécia, Travessia integra uma pesquisa a respeito do redesenho de identidades, empreendido por migrantes que deixam a terra natal e se lançam ao mar, sem certezas nem destino.
A morte na praia é a imagem que a todos devora. Os fragmentos de naufrágios – de barcos e vidas – trazem a angústia dos projetos que acabam na areia. Especialmente hoje, com a tragédia cotidiana dos refugiados sírios. E com a derrocada da cultura como pilar da sociedade.

Camarim das atrizes

Em 1925, o espanhol Juan Gris pinta La Guitarre Devant de La Mer, natureza-morta com violão diante de uma janela aberta para o mar. O elemento mais comentado da paisagem é o triângulo branco que viria a representar um veleiro. Mas não chama menos atenção a semelhança dos morros ao fundo com o Pão de Açúcar [6].
A paisagem cubista de Gris poderia ter sido pintada desde a escotilha de um barco ancorado em uma manhã no Rio, no momento em que “o furo do ambiente calmo da cabine cosmoramava pedaços de distância no litoral” [7].
Quando o Pão de Açúcar era um teorema geométrico, para Oswald de Andrade e para os modernistas brasileiros, a dançarina espanhola impunha desafio semelhante aos pintores cubistas franceses e espanhóis. Pentes, leques, cordas de guitarra e sinuosidade das ciganas andaluzas eram mais sugestivos e propensos à abstração geométrica do que os recursos das dançarinas francesas de cancã.
Nos anos 1930, uma dançarina espanhola de nome russo iluminou as noites do Cassino da Urca. Mas pouco restou sobre ela. Apagadas, as vedetes que jazem à sombra da centelha luminosa de Yolanda Penteado, Elvira Pagã, Eros Volúsia, Virginia Lane, Íris Bruzzi e Luz del Fuego (estas, sim, evocadas em biografias, documentários e exposições), impõem um desafio para quem delas tenta se aproximar. Se hoje elas são tênues rastros, em seu tempo foram impositivas.
“Buscando a individualidade, aquelas vedetes atuaram na desconstrução da vida puritana, questionaram a ordem patriarcal da sociedade e advogaram a emancipação da mulher. Sua audácia resultou numa biopolítica da corrosão do poder”, afirma Paulo Herkenhoff [8]. Assim como as artistas modernas (Tarsila, Anita, Maria), Mariak, Magdalena e Katuschak quebraram paradigmas e foram determinantes para a mudança do papel da mulher na sociedade brasileira.
É sobre essa presença afirmativa que se debruça Laercio Redondo. Em Como “Vaes” Você/ Espectro de Carmen Miranda (2017), elaborado para a Invenção da Praia, Redondo retorna à personagem que centralizou sua pesquisa em 2010 (Carmen Miranda – Uma Ópera da Imagem). Ao pinçar um trecho enigmático da marcha de Ary Barroso, imortalizada por Carmen, o artista macula a superfície caricata do mito. Ao destacar a frase – claro é o passado, escuro é o futuro – vai em busca da dimensão do corpo performático e político da cantora, seu senso de humor e uso deslumbrante de influências da cultura afro-brasileira. No Grill Room da Urca foi inventado o Brasil exótico.
Do fosso de orquestra onde se apresentaram as mais animadas big bands que o Rio de Janeiro conheceu emanam as vozes de 26 poetas mulheres. Elas integram o projeto de performance expandida Alto-mar (2017), de Katia Maciel, composto de leituras de poemas que contêm a palavra MAR. Ao tornar o antigo palco do cassino ponto de encontro de poetas ao longo de sete dias corridos, Alto-mar alcança as alturas dos timbres sonoros de outros carnavais. O projeto aproxima a poesia – aqui expandida em leituras coletivas e em ações públicas e políticas – ao campo da performance; e amplifica a voz feminina na poesia contemporânea.
Nas tertúlias de Alto-mar, há amplo diálogo com os saraus modernistas. Chega-se a avistar, ao longe, os eventos notáveis do ano em que o edifício foi inaugurado, 1922, como Hotel Balneário. Mesmo ano da publicação de Pauliceia Desvairada, de Mário de Andrade, e da Semana de Arte Moderna. Ano da aprovação do plano geral do bairro da Urca, atendendo à nova demanda imobiliária de terrenos à beira-mar.
As instâncias do dia e da noite, do moderno e do contemporâneo, encontram-se na imagem da “a moça de salto que mergulha no mar”, no poema Casa Moderna, de Katia Maciel.

A invenção da praia

Em 1915, a Lapa ainda tinha PRAIA. Chamava-se Praia das Areias de Espanha. Hoje em seu lugar está a Praça Paris. Alguns séculos antes de a praia tornar-se o mais promissor projeto de espaço democrático da vida carioca, a Urca não passava de terreno pantanoso. Antigos mapas apontam que essas terras onde o Rio de Janeiro foi fundado em 1565, eram uma ilha. Um aterro no século 17 ligou a ilha ao continente. Outro aterro, em 1922, inventou a Praia da Urca.
Na Urca não cabem os arrastões, fenômeno analisado em videoinstalação de Lula Buarque de Hollanda. Os quatro canais de Arrastão (2017) discorrem sobre três tempos de existência dessa prática coletiva milenar, unindo duas margens do Atlântico. A narrativa inicia no Benin, onde os arrastões são consagrados à retirada da rede de pesca do mar, se arrastam para a zona sul carioca em domingo de sol, anos 1990, quando tomam a forma de atos libertários de ocupação do espaço público, e termina em 2017, como tática de guerrilha, estratégia organizada de roubo em tempos de crise econômica.
Arrastão é força da natureza social. Mesmo com toda barreira e esforço de civilizar a Praia de Ipanema e a Praia da Urca, as mitologias do Dilúvio preponderam.
A estas forças se impõem o Quebra-mar (2017), a segunda obra concebida por Katia Maciel especialmente para o projeto. É sugestivo como a imagem de uma onda que atinge repetidamente a parede marmórea do cassino na videoinstalação em três telas de Maciel reflete na forma como uns trabalhos da exposição respingam, ou rebatem em outros.
Como uma projeção do Quebra-mar, ela imagina: “Teve aquela vez em que o mar invadiu o salão e o espetáculo continuou”. O episódio vira matéria prima para as Memórias de Areia (2017), de Giselle Beiguelman, que coleciona histórias reais ou inventadas sobre o cassino, materializadas em objetos. Depois, transforma estas memórias em forminhas de areia para um happening coletivo na praia.
Memórias de Areia presume a ruína e a praia como páginas em branco. Como foi a areia de Iperoig (atual Ubatuba-SP) para o padre José de Anchieta, que entre os índios tamoios, escreveu um poema de 5.785 versos, varrido pelo mar e depois transposto da memória para o papel.
De presenças varridas pelo mar fala o tríptico fotográfico Sem Título (Ausência) (2011), de Maria Laet, que documenta as etapas de desaparição das marcas de um corpo na areia da praia. De perda das tradições do mar fala Maurício Adinolfi, que traz a este projeto sua atuação compartilhada com populações litorâneas em situação crítica e sua pesquisa sobre as relações do homem com o rio e o mar. Realizado com cordas marítimas e ossos de uma baleia jubarte, Leviathan 1.0 (2017) parte de uma investigação sobre a pesca de baleia no litoral fluminense, os barqueiros da região, seus resquícios e as relações com a cidade.
Tudo o que na ruína é sombra, é hipervisibilidade na praia. Lembremos que os enigmas não cabem na lógica da praia, onde tudo está explícito. “Estamos no império do visível; não há fundos falsos onde se esconder nem margem para segredos” [9], afirma o escritor Alan Pauls, integrante da primeira edição do projeto A Invenção da Praia (Paço das Artes, SP, 2014).
Do paradoxo entre hipervisibilidade e desaparecimento fala a série inédita Praia do Cassino (2017), de Caio Reisewitz. No Rio Grande do Sul, na maior e mais deserta praia do mundo, em seus 254 quilômetros de linha reta, ondas altas e ventos fortes, se prestam as condições ideais para as visões de imagens metais, as fabulações de habitantes noturnos de um cassino que não se sabe ao certo se chegou a inaugurar. Uma ruína a mais, na sequência de embarcações encalhadas na Praia do Cassino – 287 contabilizadas –, a imensa construção de pedra não alcançaria ser a grande atração turística do mais antigo bairro balneário do Brasil (1890). Naufragou antes de acontecer.
Retrato fiel da ruína brasileira, o cassino fantasma do RS evoca a lembrança de uma utopia modernista que nunca virou realidade. O Museu à Beira do Oceano (1951), de Lina Bo Bardi, encomendado pela Prefeitura de São Vicente-SP para ser edificado sobre as areias da praia, e nunca realizado. É para a memória desse edifício – e sua espetacular fachada de 90 metros de cristal voltada para o oceano Atlântico – convidamos a tocar a Ópera do Vento (2017) de Nino Cais, uma orquestra de 80 conchas marítimas, em papel. Ou o baixo escultórico da série Desenho Sonoro (2015), de Chiara Banfi, a ser dedilhado por longas unhas vermelhas espectrais – ou, ainda, pelas mãos do público. E Carmen Miranda, anunciada em cartazes distribuídos pela cidade, em sessões diariamente programadas, AO VIVO (2017), intervenção sonora de Bruno Faria.
É para a ruína do futuro que dedicamos os ratos, os navios fantasmas, as moças de salto e os arrastões. Para, quem sabe, encontrar entre os espectros, como diria Vila-Matas, uma verdade não demonstrável.

P.S.: Um 14º trabalho, em eterna construção, é o texto A Mulher Que Perdeu a Sombra – uma biografia emocional da dançarina espanhola do cassino.

notas

1 Policiaes accusados de receber dinheiro de ladrões! Rio de Janeiro: Diário de Notícias, 9 de janeiro de 1935
2 Castro, Ruy. A Noite do Meu Bem. São Paulo: Companhia das Letras. P. 22
3 Hoffmann, Clarice e Muniz de Albuquerque Júnior, Durval. O Obscuro Fichário dos Artistas Mundanos 1935-1958. http://obscurofichario.com.br/
4 Com a pesquisa da jornalista pernambucana Clarice Hoffmann, foram digitalizados e disponibilizados no Obscuro Fichário dos Artistas Mundanos 429 fichas e prontuários pertencentes ao SSP-Dops/PE, de mulheres e homens, brasileiros e estrangeiros, que protagonizaram uma movimentação ocorrida na cidade do Recife no campo das artes e das diversões (entre dançarinas, sapateadores, cantores, transformistas, pugilistas, telepatas, cartomantes e ilusionistas), entre as décadas de 1930 e 1950. Esse fichário não apenas constitui um precioso memorial de personagens, como também uma saborosa cartografia de teatros, cassinos, bares, rádios e cinemas operante no Recife de meados do século 20.
http://obscurofichario.com.br/fichario/alda-bogoslowa/
5 http://obscurofichario.com.br/fichario/magdalena-giamarelli-de-mejia-3/
6 The Spanish Night – Flamenco, Avant-Garde and Popular Culture 1865-1936, Madri, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia, 2008, pg 235.
7 Andrade, Oswald. Memórias Sentimentais de João Miramar. São Paulo: Companhia das Letras, 2016. P. 85
8 Herkenhoff, Paulo. Tarsila e Mulheres Modernas no Rio. Rio de Janeiro: Museu de Arte do Rio, 2015
9 Pauls, Alan. A Vida Descalço. São Paulo. Cosac Naify, 2013. P. 27
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Artigo da jornalista e editora Paula Alzugaray para a mostra "A Invenção da Praia: Cassino", em cartaz no Istituto Europeo di Design, no Rio de Janeiro, entre 11/9 e 16/9/17.

(Revisado por Hassan Ayoub em 29/8/2017)

Vaticano descobre novas pinturas por Rafael escondidas em suas paredes

Ao contrário do que se acreditava anteriormente, duas pinturas à óleo no apartamento papal no Vaticano são de autoria do mestre renascentista e não de seus aprendizes. +

Não é todo o dia que você encontra um novo Rafael por aí, mas essa é a vida no Vaticano. Especialistas descobriram que o modelo renascentista italiano teve um papel fundamental na pintura na Sala de Constantino em apartamentos papais após uma restauração, que evidencia claramente a mão do mestre. Acreditava-se que a magnífica sala de recepção foi pintada pela oficina do artista depois que Rafael esboçou em linhas gerais; e que o artista teria morrido antes da sua conclusão. Isso não verdade, e agora os conservadores do Vaticano acreditam.

Citando um vídeo do YouTube publicado pelo escritório de imprensa do Vaticano, o jornal italiano “La Stampa” informou que as figuras femininas alegóricas das virtudes da amizade e da justiça são de fato um trabalho de Rafael.

"Ao analisar a pintura, percebemos que é certamente feita pelo grande mestre Rafael", disse o restaurador Fabio Piacentini. "Ele pintou em óleo na parede, que é uma técnica realmente especial. A limpeza e remoção de séculos de restaurações anteriores revelou as características pictóricas típicas do mestre ".

Arnold Nesselrath, historiador de arte e chefe da pesquisa técnica e científica nos Museus do Vaticano, acrescentou: "Sabemos de fontes do século 16 que Rafael pintou duas figuras nesta sala como testes na técnica do óleo antes de morrer. De acordo com as fontes, essas duas figuras pintadas a óleo são de uma qualidade muito maior que as que as cercam".

"Raphael foi um grande aventureiro na pintura e sempre tentou algo diferente", explicou. "Quando ele entendia como algo funcionava, procurava um novo desafio. E então, quando ele chegou na maior sala do apartamento papal decidiu pintar esta sala em óleo, mas conseguiu pintar apenas duas figuras, e seus aprendizes continuaram no método tradicional, deixando essas duas figuras como assinatura do mestre."

Em 1509, Rafael foi encarregado de pintar quatro salas nas residências papais, agora conhecidas como Salões Rafael. A Sala de Constantino - a maior - retrata quatro episódios da vida do primeiro imperador romano para reconhecer a fé cristã e conceder liberdade de culto. As pinturas retratam a derrota do paganismo e o triunfo da religião cristã.

Dois desenhos de giz do mestre do Renascimento italiano foram vendidas por US$ 48 milhões (no Christie's London, em 2009) e US$ 47,8 milhões (no Sotheby's Londonin em 2012), de acordo com a base de dados de preços da artnet.
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Tradução de matéria publicada originalmente no portal artnet (www.artnet.com).

Ame ou odeie os tesouros de Damien Hirst

Polêmicas ao redor da exposição “Treasures from the Wreck of the Unbelievable”, de Hirst, na Punta della Dogana e Palazzo Grassi, em Veneza. +

A exposição “Treasures from the Wreck of the Unbelievable” se mostrou bastante polêmica e a expectativa ao redor dela era imensa uma vez que, após dez anos, esse seria o retorno de Damien Hirst e, em se tratando do artista, a ansiedade era grande.

A exposição é exibida em 5 mil metros quadrados de espaço, são 189 obras de arte, incluindo mais de 100 esculturas (uma delas com quase 18 metros de altura) e 21 armários cheios de objetos menores, tudo à venda.

A maioria das principais esculturas do show está disponível em três versões: “Coral” (como se fosse recuperada do mar), “Treasure” (como se fosse restaurada) e “Cópia” (como uma reprodução de museu). Nenhum coral verdadeiro é usado na exposição. Os bronzes foram fundidos no oeste da Inglaterra e os mármores esculpidos na região de Carrara, na Itália.
Para se ter uma ideia, os maiores bronzes têm preços superiores a US$ 5 milhões. “Sphinx”, um mármore branco de 1,5 metro de comprimento no formato “Cópia” custa US$ 1,5 milhão.
De acordo com os porta-vozes do estúdio de Hirst, o projeto foi financiado em parte com recursos próprios do artista, mais de 50 milhões de libras, foi o que Hirst admitiu ter investido à BBC.
As opiniões dessa vez ficaram realmente divididas como nunca antes se viu, polarizando os críticos de arte com a enorme complexidade da mostra sem precedentes em escala, exagero, exorbitância e uma série de outros adjetivos bastante controversos.
A revolta veio em grande parte pelo momento que vivemos de tamanha instabilidade e desigualdade. Uma exposição desse porte, com investimentos desse nível, espalhafatosa e exagerada, parece uma piada de mau gosto, um desperdício e, no mínimo, inapropriada.

Além da polarização forte do gênero “ame ou odeie”, que surgiu no meio da arte de maneira bem explícita com relação ao conteúdo da própria exposição, vemos a seguir duas outras discussões acerca da originalidade e apropriação que são acusações que volta e meia rondam o trabalho desse artista.

Pavilhão de Grenada

A poucos minutos de distância da Punta della Dogana, um dos dois locais onde está a exposição de Hirst, está a apresentação “The Bridge”, do grupo do Pavilhão de Grenada.
Andando pelo show, você por um segundo realmente sente que entrou em um anexo não autorizado da mostra “Treasures”, de Hirst.
DeCaires Taylor, o artista em questão, fundou o primeiro parque de escultura subaquática do mundo na costa oeste de Grenada em 2006. Sua biografia o descreve como “o primeiro de uma nova geração de artistas a mudar os conceitos do movimento ‘Land Art’ para o ambiente marinho”, e ele instalou esculturas subaquáticas e falou sobre sua arte submarina para multidões em todo o mundo na última década.

Uma diferença definitiva entre as duas instalações: o trabalho de Hirst é sobre fábulas, lendas, imaginação e o fantástico, enquanto deCaires Taylor fala sobre o meio ambiente e o que de fato acontece no fundo do mar.

“Aparentemente, eu não fui o único a notar a semelhança”, diz deCaires Taylor, contando que o Pavilhão tinha sido “inundado com perguntas sobre a suposta apropriação feita por Hirst do trabalho dele”.

O artista declara: “Ao longo dos últimos 11 anos, venho trabalhando debaixo d’água. Sempre esperei que meu trabalho fosse uma contribuição à humanidade, chamando a atenção para um mundo frágil e em perigo. Depois de ver a última exposição de Hirst, parece que certamente criei um gênero de arte que chama a atenção, mas os fac-símiles marinhos de Hirst são muito diferentes das minhas instalações vivas, tanto em contexto como em proposta. Se as pessoas realmente querem ver ‘tesouros inacreditáveis’, eles devem olhar abaixo da superfície de nossos mares nas verdadeiras maravilhas do mundo azul – a natureza não mente.”

As semelhanças são indiscutíveis, não só nas obras, mas nas fotos feitas no fundo do mar. Cabe ao visitante julgar o que essa coincidência significa (www.grenadavenice.org)
O artista britânico já sofreu no passado diversas acusações de que suas peças não são sempre inteiramente originais, mas inspiradas no trabalho de outros artistas. No caso da mostra em cartaz, o artista nigeriano Victor Ehikhamenor acusou Hirst de copiar uma conhecida obra de arte de bronze da Nigéria, “Head of Ife”, encontrada em 1938, em Ife, Nigéria, sem lhe dar o reconhecimento histórico apropriado.

A descrição escrita junto à peça “Golden Heads (Female)” na exposição de Hirst menciona Ife em uma história de ficção ampla inventada pelo artista sobre as origens da escultura, longe do reconhecimento mínimo devido a uma peça de tamanha importância para a Nigéria e seus artistas. Segundo Ehikhamenor, “Head of Ife” é uma das mais intrincadas e mais belas obras de arte criadas por artistas africanos clássicos e, para os milhares de telespectadores que veem a obra pela primeira vez, eles não pensarão em Ife, eles não pensarão em Nigéria, seus jovens crescerão conhecendo este trabalho como Damien Hirst”.

Ehikhamenor disse que o trabalho era uma cópia fiel do original e, no entanto, Hirst a celebrou como arte contemporânea. “Ele apenas fez uma imitação da obra”, disse ele.
Em uma declaração, o escritório do Hirst disse que Ife foi referenciada no texto de acompanhamento do trabalho e no guia de exibição, e mais, acrescentou que “‘Os Tesouros’ são uma coleção de obras influenciadas por uma ampla gama de culturas e histórias de todo o mundo – de fato, muitas das obras celebram obras de arte originais e importantes do passado”, diz o comunicado.

A mostra fica na Punta della Dogana e Palazzo Grassi, em Veneza, até 03/12/17.
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Matéria publicada no portal da revista Dasartes (www.dasartes.com.br/noticias).

Masp receberá R$ 500 mil de fundação americana para projeto de conservação

Depois da Casa de Vidro, o museu é o segundo prédio desenhado por Lina Bo Bardi a receber uma doação de conservação. Entre as primeiras ações é estudar o comportamento e movimentação desse prédio ao longo dos últimos 50 anos, principalmente a deformação das vigas superiores que vêm se envergando. +

Depois da Casa de Vidro, o Masp é o segundo prédio desenhado pela arquiteta Lina Bo Bardi a receber uma doação da Fundação Getty, de Los Angeles, para elaborar um projeto de restauro e conservação a longo prazo. O museu da avenida Paulista terá US$ 150 mil, cerca de R$ 470 mil, para desenvolver esses estudos com um time de arquitetos e especialistas.
Silvio Oksman, arquiteto especializado em restauro, está à frente do projeto, como antecipou esta coluna em outubro do ano passado. Ele planejava escanear a laser todo o museu, para identificar e prevenir eventuais problemas em sua estrutura, mas conta, no entanto, que o plano mudou e outras técnicas serão usadas.
Esse escaneamento a laser já vinha sendo sendo usado em estudos da Casa de Vidro, onde a arquiteta viveu até o fim de sua vida, e no prédio da Faculdade de Arquitetura e Urbanismo da USP, obra emblemática de Vilanova Artigas, um dos pilares da arquitetura brutalista, também alvo de estudos de Oksman.
No caso do Masp, o arquiteto e sua equipe devem primeiro centrar esforços no estudo das estruturas de concreto do museu, analisando como elas envelheceram ao longo dos anos. Também darão especial atenção a uma deformação das vigas superiores, que sustentam a grande caixa de vidro das galerias sobre o vão livre. Desde a conclusão do projeto, em 1968, elas vêm se envergando, e a forma como corrigir o problema será um dos principais focos do estudo.
“Essa era uma estrutura inovadora quando a Lina propôs, era bastante radical para aquele momento”, diz Oksman. “Nunca foi feito um estudo aprofundado sobre o comportamento desse prédio ao longo dos últimos 50 anos, sobre como ela respondeu à movimentação. Estudar essa estrutura era o primeiro passo para se pensar na conservação global do prédio. Isso interfere na forma de expor, interfere nos caixilhos, nas questões de luminosidade e isolamento térmico.”
Outras 21 obras icônicas do modernismo global, entre elas a sede da Bauhaus, desenhada por Walter Gropius, em Dessau, na Alemanha, e o Museu e Galeria de Arte do Governo, obra de Le Corbusier, em Chandigarh, na Índia, a famosa Casa Melnikov, do russo Konstantin Melnikov, em Moscou, e a torre Price, obra de Frank Lloyd Wright em Bartlesville, nos Estados Unidos, também foram contemplados pela mesma doação da Fundação Getty, que destinou US$ 1,66 milhão, cerca de R$ 5,2 milhões, à conservação de todos eles.
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matéria de Silas Martí para o blog Plástico na Folha de São Paulo, (www.plastico.blogfolha.uol.com.br).

Morre na Itália o general Roberto Conforti, protetor das artes e da cultura

Conforti serviu entre 1991 e 2002 como Comandante Geral dos Carabinieri responsável pela tutela do patrimônio cultural italiano, bem como pelas investigações e recuperação de bens culturais roubados na Itália. Parte soldado, parte curador de museu, parte amante da arte, sua vida foi dedicada à proteção dos tesouros da Cultura italiana. +

Na tarde de 26/7/2017, partiu para sempre o general italiano Roberto Conforti, aos 79 anos de idade. Conforti serviu entre 1991 e 2002 como Comandante Geral dos Carabinieri responsável pela tutela do patrimônio cultural italiano, bem como pelas investigações e recuperação de bens culturais roubados na Itália. Parte soldado, parte curador de museu, parte amante da arte, sua vida foi dedicada à proteção dos tesouros da Cultura italiana.
No início de sua carreira, seu pelotão contava com apenas seis policiais e era responsável pela proteção de quase 100 mil igrejas italianas, além de um incontável número de sítios arqueológicos, conhecidos ou desconhecidos, o que tornava seu trabalho ainda mais inglório. Sua dedicação incansável fez com que seu pelotão crescesse para cerca de 300 homens e se tornasse a mais famosa força policial do mundo especializada em crimes contra a arte e a cultura. O general foi responsável pela recuperação de centenas de bens culturais italianos, sendo constantemente homenageado por isso.
Conforti nasceu em Serre, perto de Salerno, no Sul da Itália, e ingressou na polícia aos 19 anos. Seus primeiros anos de trabalho foram dedicados ao combate a famosas organizações criminosas do país, como a Cosa Nostra (Sicília), a Camorra (Nápoles), a Ndrangheta (Calábria) e a Anonima Sarda (Sardenha), mas sua notoriedade veio com sua dedicação à investigação de crimes contra a arte e a cultura.

Condolências para a viúva Filomena e seus filhos podem ser enviados para Via Prisciano, 67, 00136, Roma - Italia.
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Informações publicadas no blog http://art-crime.blogspot.com.br (Association for Research into Crimes Against Art), que desde fevereiro de 2009 se dedica a publicar notícias referentes a crimes contra a arte.

Maikon K volta a fazer performance em Brasília

O maior festival de teatro do Centro-Oeste irá receber o trabalho do artista curitibano detido durante apresentação no Museu da República. +

O 18º Festival Cena Contemporânea promove foto-protesto para fechar a edição de 2017, que acontece entre 22/08/17 a 03/09/17. A foto, prevista para 02/07, será resultado de uma oficina voltada para o debate sobre nudez artística e aberta a todos os voluntários maiores de 18 anos que se proponham a se despir como uma forma de se manifestar política, social e culturalmente.

Entre os artistas convidados a discutir a temática antes da realização da foto, o performer paranaense Maikon K fará um depoimento sobre seu trabalho e sobre a detenção do último dia 15/07, quando foi impedido de fazer sua performance em frente ao Museu Nacional da República. O artista retorna à Brasília a convite do Cena Contemporânea, com apoio do Sesc, e novamente no museu. Além do relato durante a atividade, Maikon K re-apresentará o trabalho “DNA De DAN”, que acabou antes do final e foi tratado como um ato obsceno aos olhos da PM do DF.

A ação conta com a participação do renomado fotógrafo brasiliense Kazuo Okubo para conduzir a atividade e a foto. O desafio é propor a imagem com o maior número de corpos nus já registrada na capital do país.

Quando da detenção de Maikon, o Cena Contemporânea rapidamente se colocou à disposição de recebê-lo, propondo uma nova realização da performance interrompida. Não somente em repúdio à arbitrariedade praticada, que rompe com a liberdade outorgada à expressão artística, mas também pelo diálogo imediato que se estabeleceu entre a arte e a atividade formativa. Tanto a performance como a oficina perpassam o corpo enquanto forma de expressão. As duas estão previstas para o mesmo lugar, transgredindo o debate sobre arte e as mesmas resistências.

Maikon acolheu a iniciativa e se mostrou igualmente animado com a possibilidade do retorno e a chance de uma nova apresentação. A coordenação do Cena estendeu o convite ainda para que o artista participasse da foto por meio de uma fala destinada aos voluntários presentes.

MoMA anuncia primeira grande exposição de Tarsila do Amaral nos EUA

Essa será a terceira grande exposição dedicada a um artista brasileiro em Nova York em menos de um ano, após a de Lygia Pape, no Met Breuer, e a de Hélio Oiticica, no Whitney Museum of American Art. +

A artista brasileira Tarsila do Amaral (1886-1973), cuja obra representa um capítulo importante do modernismo latino-americano, terá sua primeira grande exposição nos Estados Unidos a partir de fevereiro, anunciou na terça-feira (25) o Museu de Arte Moderna de Nova York (MoMA).

Tarsila é considerada uma das maiores artistas brasileiras do século 20, e a exposição seguirá seu percurso desde sua infância no interior de São Paulo e seus estudos de arte em Paris até seu regresso ao Brasil, onde assentou seu estilo de "linhas sintéticas e volumes sensuais para representar paisagens e cenas vernáculas em uma rica paleta de cores", disse o MoMA em um comunicado.

Será a terceira grande exposição dedicada a um artista brasileiro em Nova York em menos de um ano, após a de Lygia Pape, no Met Breuer, e a de Hélio Oiticica, no Whitney Museum of American Art.

A pintura "Abaporu" de Amaral, de 1928, inspirou o Manifesto Antropofágico, escrito pelo marido da artista, o poeta Oswald de Andrade, e se tornou o símbolo deste movimento que buscava "comer" e digerir a arte europeia para criar uma arte brasileira, única e própria.

"Abaporu" - vendida por US$ 1,5 milhão ao bilionário argentino Eduardo Costantini em 1995 e considerada a pintura brasileira mais valiosa do mundo - e outras grandes obras de Amaral, como "A Negra" (1923) e "Antropofagia" (1929), farão parte da mostra, que acontecerá de 11 de fevereiro de 2018 a 3 de junho.

A arte de Amaral inspirou uma nova geração de artistas brasileiros nos anos 1960 e 1970, como Oiticica e Lygia Clark, e depois o movimento Tropicália, incluindo os músicos Caetano Veloso e Gilberto Gil, "contribuindo para o nascimento da arte moderna no Brasil", disse o MoMA.
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Matéria publicada no portal do Uol (www.uol.com.br), em 25/07/17.

"Se minha arte é bem-vinda, eu quero voltar", diz artista que foi preso

Ao receber um pedido de desculpas do governador, Maikon K ouviu que a arte era bem-vinda em Brasília, por isso, quer ter a chance de concluir a performance interrompida. Ele também conta como foi a ação da PM. +

Após ver interrompida sua apresentação no evento Palco Giratório, do Sesc, e ser preso, acusado de ato obsceno, no último sábado (15/7), o dançarino e performer paranaense Maikon Kempinski tem um desejo principal: retornar à praça em frente ao Museu Nacional da República e concluir o que não o deixaram fazer. "Se minha arte é bem-vinda, então eu quero voltar e fazer minha arte naquele lugar", afirma.

Maikon se refere a um telefonema que recebeu no domingo (16) do governador Rodrigo Rollemberg, do qual ouviu um pedido de desculpas e a afirmação de que seu trabalho era bem-vindo em Brasília. O secretário de Cultura, Guilherme Reis, também ligou se desculpando.

"Já propus (a apresentação) para o Sesc e eles estão me ouvindo. Espero que seja possível. É minha vontade. Esse seria o mínimo de retratação: a PM que agiu com violência fazer agora a segurança da apresentação. Seria importante, pedagogicamente e simbolicamente. Temos de assegurar o espaço da arte", diz o paranaense ao conversar por telefone com o Correio, enquanto esperava o avião que o levaria de volta a Curitiba, onde mora.
O dançarino acha que só vai conseguir processar o que aconteceu quando estiver em casa. Diz que o trauma inicial já passou, mas, por enquanto, precisa lidar com questões práticas, inclusive decidir que tipo de atitudes jurídicas vai tomar contra a ação da polícia. "Eles agiram com truculência, rasgaram nosso cenário. Vão ter de responder por isso de algum jeito", justifica.

Como foi a interrupção
Maikon detalha o que se passou na tarde de sábado, no início da apresentação de 'DNA de DAN', performance criada em 2013 e que já passou por diversas cidades brasileiras, muitas vezes sendo apresentadas em espaços públicos, como ocorreria na capital. A encenação, explica, dura cerca de quatro horas. No início, é inflada uma bolha plástica, onde ele entra. Lá, ele se despe e uma parceira de trabalho passa sobre seu corpo uma substância em forma de gel que se secará aos poucos, até formar uma segunda pele. O processo de secagem demora cerca de três horas e exige que Maikon permaneça imóvel. Só depois da pele formada e rompida, ele inicia uma dança baseada no arquétipo da serpente.

A encenação ainda estava na fase inicial, com a substância úmida, quando Maikon percebeu a movimentação ao redor da bolha de "pelo menos 10 policiais militares". Sua reação foi se manter imóvel, como a performance exigia, na esperança de que os PMs entendessem que se tratava de uma apresentação artística e não interviessem. "Em outras cidades, já aconteceu de a polícia se aproximar para entender do que se tratava, mas depois de alguém da equipe explicar, ela se afastou, sem problemas", conta.

Em Brasília foi diferente. O artista explica que, por azar, a pessoa responsável pela produção do Sesc havia se ausentado da cena para resolver um problema de fornecimento de energia — um cabo que saía do museu abastecia o gerador necessário para inflar a bolha. A parceira de Maikon tentou explicar para os policiais, mas, segundo o artista, não havia abertura para o diálogo. "Eles diziam que o Sesc, que o museu não mandavam nada. Que quem mandava era o código penal e que 'isso vai acabar'."

Diante da postura de Maikon de permanecer imóvel, alguns policiais resolveram entrar na bolha, abrindo um dos zíperes costurados no material. Nessa hora, o cenário acabou rasgado e permanentemente danificado. "Eles entraram na bolha me ameaçando, um dos policiais levantou o punho, como se tivesse intenção de me bater. Foi nessa hora que me mexi e gritei para ele não encostar em mim", conta. Recebendo a ordem para se vestir, Maikon pediu uma toalha, afirmando que tinha uma substância no corpo e por isso não queria colocar suas roupas. Mas acabou tendo de fazê-lo.

"Vesti minha calça e saí do cenário. Nessa hora, recebi uma chave de braço e fui levado para a viatura. Não pude me calçar nem pegar minha carteira. Fomos para a delegacia com motos escoltando, as sirenes ligadas. Lá, tive de ficar em pé, olhando para a parede. A pessoa do Sesc chegou e não podia se aproximar", lembra. Maikon só foi liberado depois de assinar um termo circunstanciado de ato obsceno, o que o deixa sujeito a ter de se explicar na Justiça.

Responsabilidades
Por meio de sua assessoria de comunicação, a PM afirma que não agiu com violência e que foi ao local porque "diversas pessoas reclamavam de um homem nu próximo ao Museu da República". interrompeu a apresentação porque ninguém no local apresentou uma autorização para a apresentação.

A Polícia Militar informa que foi acionada porque "nenhuma autorização dos órgãos responsáveis foi apresentada e, como esse tipo de apresentação é proibida para menores de idade em razão da classificação etária a que deve ser submetida, o caso foi levado à delegacia da área para o registro". A PM segue: "No local, não havia nenhuma estrutura que pudesse impedir a aproximação de crianças, o que revoltou algumas famílias que aproveitavam o dia ao lado de crianças para conhecer os monumentos de Brasília e que ficaram surpresas ao presenciar o ato obsceno".

O Sesc-DF se pronunciou por meio de nota nesta segunda-feira. No texto (leia a íntegra abaixo), a entidade "repudia a detenção do artista Maikon K" e "ressalta que a instituição tinha a autorização do Museu Nacional da República, assinada pelo diretor Wagner Barja, para realização da performance e tomou o devido cuidado de informar que se tratava de um espetáculo com classificação indicativa de 16 anos". Para o Sesc, a proibição da performance em Brasília, os prejuízos materiais à obra e a detenção do artista constituem uma arbitrariedade que coloca em risco não apenas a liberdade de expressão, assegurada pela Constituição Brasileira e por documentos internacionais dos quais o Brasil é signatário, mas interfere nos direitos culturais do público."

Para Maikon, a responsabilidade pelo que passou é inteiramente da Polícia Militar. "A gente até espera que algum tipo de agressão venha do público, mas não da polícia. Nada justifica a violência que houve. Eles não queriam diálogo, não quiseram ouvir", avalia. Também está certo de que não fez nada de errado. "Se eu estivesse errado, não teria recebido um pedido de desculpas do secretário de Cultura e do governador, que é o chefe da Polícia Militar", conclui.

A íntegra da nota do Sesc
O Serviço Social do Comércio no Distrito Federal (Sesc-DF) reafirma o seu compromisso em contribuir para o bem-estar e para melhoria da qualidade de vida dos comerciários e de seus familiares. As ações do Sesc propagam princípios humanísticos e universais que oferecem melhores condições de vida para todos. A realização do festival Palco Giratório, em todo o Brasil, cumpre com a finalidade de promoção da diversidade cultural e dos direitos culturais dos brasileiros, não cabendo ao Sesc nenhum tipo de censura, conforme prevê a Constituição.

Nesse sentido, o Sesc-DF repudia a detenção do artista Maikon K, que teve a sua performance artística DNA de DAN interrompida e cenografia danificada pela Polícia Militar do DF, no sábado (15), no Museu da República, em Brasília. O Sesc-DF ressalta que a instituição tinha a autorização do Museu Nacional da República, assinada pelo diretor Wagner Barja, para realização da performance e tomou o devido cuidado de informar que se tratava de um espetáculo com classificação indicativa de 16 anos, que ocorreria no período noturno, às 19h30.

A proibição da performance em Brasília, os prejuízos materiais à obra e a detenção do artista constituem uma arbitrariedade que coloca em risco não apenas a liberdade de expressão, assegurada pela Constituição Brasileira e por documentos internacionais dos quais o Brasil é signatário, mas interfere nos direitos culturais do público. Não vivemos mais em uma época em que um policial militar pode definir isoladamente a realização ou não de um evento.

O Festival Palco Giratório alcança um público aproximado de 500 mil pessoas por ano, em todo o País, por meio de acesso gratuito aos espetáculos ou ingressos com valores reduzidos. Acontecendo, portanto, em diversos locais que não contam com espaços culturais especializados. Serão realizados 20 espetáculos/performances no Distrito Federal até 30 de julho. Ainda em 2017, o projeto visitará 147 cidades, somando 685 apresentações definidas por uma curadoria composta por artistas, técnicos e especialistas em cultura. Ocupar espaços públicos com arte constitui uma estratégia de democratização a práticas que ainda permanecem restritas a um grupo social muito pequeno. Não por acaso, o Projeto constitui uma referência para políticas públicas, dado seu amplo alcance social e continuidade.
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Matéria de Humberto Rezende publicada originalmente no site do jornal Correio Braziliense, em 17/07/17.

Tempestade violenta invade o Louvre e danifica obras de Poussin e outras peças

Funcionários do museu do Louvre revelaram os detalhes das obras de arte danificadas pelas violentas tempestades que sacudiram Paris nos dias 8 a 9 de julho. +

Duas obras de Nicolas Poussin estão entre as que foram danificadas no domingo (09/07), já que a capital francesa se viu abaixo de 50 milímetros de chuva em apenas uma hora, com a tempestade inundando várias estações do metrô e infiltrando o Louvre.

Em um comunicado de imprensa publicado na última quinta-feira, o museu francês confirmou que a água havia invadido o mezanino da ala Denon, afetando as salas "Artes do Islã" e "Do Mediterrâneo Oriente para o Templo Romano", ambas fechadas para estabilizar a higrometria.

A água também entrou no primeiro andar da ala Sully, afetando a "Salle des Sept-Cheminées" e a escadaria Henri IV, e o segundo andar da Cour Carrée, afetando algumas salas que abrigam pinturas francesas. Espaços não visuais, como os vestiários no porão e o café mezanino, também foram afetados pela tempestade.

Apesar da implementação imediata de medidas de emergência pela equipe do museu, foram observados danos causados no verniz de duas (Primavera e Outono) das pinturas "Four Seasons" (Quatro Estações) de Nicolas Poussin e um trabalho em grande formato de Jean-François de Troy, “The Triumph De Mordecai” (1736). As obras de Poussin foram imediatamente removidas como precaução e o Jean-Francois de Troy desprendido da parede. Três pinturas de Georges de Latour e Eustache Le Suer no segundo andar da ala Sully também foram retiradas como medida preventiva.

O museu abriu como de costume na segunda-feira passada, exceto pelo anexo da sala de Arte Islâmica e os adjacentes. O trabalho está em andamento para garantir que os espaços afetados reabrem o mais rápido possível e os restauradores estão avaliando a extensão do dano causado.

Os funcionários do Louvre não tiveram atualizações sobre o status das obras de arte danificadas até o fechamento desta matéria.
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Matéria traduzida de Naomi Rea originalmente publicada no site do ArtNet (www.artnet.com), em 17/07/17.

Performer tem sua obra interrompida e é detido pela PM de Brasília

O artista Maikon K. realizava a performance 'DNA de Dan' no sábado, quando foi interrompido por policias militares que o prenderam por 'ato obsceno'. +

O artista e performer paranaense Maikon Kempinski, conhecido como Maikon K., foi preso na tarde deste sábado pela Polícia Militar do Distrito FEderal, enquanto apresentava a sua performance "DNA de Dan" em frente ao Museu Nacional da República. Por volta das 17h20m de sábado, policiais militares abordaram o artista e o impediram de continuar realizando a performance. Detido sob a justificativa de que o artista praticava "ato obsceno", o performer foi colocado no porta-malas de uma viatura policial e levado para a 5ª Delegacia de Polícia da capital federal, onde teve de assinar um termo circunstanciado de ato obsceno. Durante a execução de "DNA de Dan", Maikon realiza o trabalho com o corpo nu, inserido numa esfera plástica e translúcida.

Neste domingo à tarde, após ser liberado, o artista publicou um texto em seu perfil no Facebook onde se disse indignado com o episódio e com a ação policial, que tanto o impediu de completar o seu trabalho como danificou o material cenográfico da performance. Concebida pelo artista para ser apresentada ao ar livre, em espaços públicos, "DNA de Dan" era apresentada como parte integrante do projeto Sesc Palco Giratório, que é considerado o principal projeto de circulação de obras de artes cênicas em território nacional. Antes de chegar a Brasília a obra já havia sido apresentada sem problemas em diferentes cidades brasileiras, como Rio de Janeiro, Belo Horizonte, Porto Alegre e Campina Grande. Reconhecido como um dos mais importantes performers do país, Maikon teve este mesmo trabalho apresentado na mostra “Terra Comunal: Marina Abramovic + MAI”, realizada pelo Sesc São Paulo em 2015 e dedicada à obra de Marina Abramovic.

Em seu relato, Maikon agradeceu ao apoio que recebeu de "pessoas que já viram a performance 'DNA de DAN' e de pessoas que não viram, mas que acreditam na arte como forma de expandir as visões e atuar no mundo. Porque não se trata de mim apenas ou do meu trabalho, o que aconteceu ontem é um sintoma do grande cadáver que fede há tempos por aqui", escreveu.

Em seu relato, Maikon diz que a sua performance "não chegou ao seu término, pois fui agredido por policiais e detido por ato obsceno". Além da apresentação de sábado, "DNA de Dan" também seria apresnetada neste domingo, no mesmo local, mas a sessão foi cancelada.
Sobre a suposta razão da sua prisão, a nudez do seu corpo, e a abordagem dos policiais, o artista contou que já havia iniciado o trabalho quando ouviu "vozes de um grupo de policiais militares ordenando que a apresentação fosse encerrada, com falas como 'isso vai parar de qualquer jeito, caralho', 'tira esse cara daí', 'que porra é essa'", disse.

Seus produtores teriam tentado dialogar com os policiais, mas não foram ouvidos:
"Eles não queriam saber o porquê daquilo estar acontecendo ali, o que significava, qual o contexto. Tínhamos a permissão e o apoio do Museu Nacional para estar ali, ou seja, um museu ligado ao Ministério da Cultura, e éramos contratados do Sesc. Até esse momento, eu pensava, parado, 'logo o produtor do Sesc vai explicar a eles e esse mal entendido vai acabar', e continuaremos o trabalho. Porque duas outras vezes já tivemos a aproximação de policiais, mas após a explicação eles entenderam se tratar de uma obra de arte e nos deixaram continuar sem que parássemos", escreveu.

De acordo com a PM, os militares foram ao local após transeuntes avisarem que teriam avistado "um homem nu" nas imediações do Museu da República. Segundo a PM, os PMs foram informados de que o performer realizava um trabalho artístico, mas como "não foi apresentada nenhuma documentação/autorização do museu tampouco da administração de Brasília, foi determinada a paralisação da referida exposição e foi dada voz de prisão ao elemento nu", informou a PM em uma nota.

Instituição responsável pela realização da performance, o Sesc informou que irá se posicionar sobre o ocorrido apenas na segunda-feira. Em seu texto, Maikon ressaltou a importância de projetos artísticos como o Palco Giratório, e disse esperar que "mesmo depois disso tudo, o Sesc continue com essa coragem de apoiar trabalhos artísticos de todos os estilos e discursos, como sempre fez ao longo dos anos".
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Matéria originalmente publicada no jornal “O Globo”, em 16/07/17.

Artista respeitado, Maikon K é preso por ficar nu em performance

O artista paranaense foi preso pela Polícia Militar do Distrito Federal como sendo por “atentado ao pudor”, retirando completamente a nudez do contexto artístico em que ela ocorreu. +

O artista paranaense Maikon Kempinski, conhecido como Maikon K, um dos nomes mais respeitados e consagrados da performance no Brasil, foi preso em Brasília, em uma ação policial que faz lembrar os tempos de ditadura.

Ele foi detido na tarde deste sábado (15). A prisão foi justificada pela Polícia Militar do Distrito Federal como sendo por “atentado ao pudor”, retirando completamente a nudez do contexto artístico em que ela ocorreu.

A prisão foi feita no momento em que Maikon K se apresentava em frente ao Museu Nacional da República com a performance “DNA de DAN”, na qual fica nu com o corpo coberto de um líquido que se resseca aos poucos, até, ao fim, se quebrar, revelando a pele do artista.
A performance “DNA de DAN” integra o projeto do Sesc “Palco Giratório”.

A performance já foi apresentada em diversos lugares no Brasil, sempre com respeito do público e da crítica especializada.
“DNA de DAN”, inclusive, foi escolhida pela artista Marina Abramović, maior nome da performance no mundo, para ser uma das oito performances brasileiras a integrar sua megaexposição “Terra Comunal” no Sesc Pompeia, em São Paulo, em 2015. Foi a maior mostra na América do Sul da artista sérvia radicada em Nova York, e Maikon K foi convidado a apresentar “DNA de DAN” pela própria artista, admiradora do trabalho do brasileiro. A própria Marina Abramović já utilizou da nudez como expressão artística em performances consagradas.

Abordagem violenta da PM
Em Brasília, a abordagem policial a Maikon foi feita de forma agressiva, conforme relato do artista. Ele foi levado à 5ª Delegacia de Polícia na Asa Sul e não pôde sequer terminar sua apresentação.

No DP, Maikon foi obrigado a assinar um termo circunstanciado por “praticar ato obsceno”, mesmo tendo feito uma performance artística, e só então foi liberado.

“Não estava ali como pessoa física, mas sim como artista contratado pelo Palco Giratório do Sesc”, afirma Maikon K ao Blog do Arcanjo do UOL, indignado.

Além disso, o cenário da performance — uma gigante bolha de plástico transparente criada pelo artista Fernando Rosenbaum, dentro da qual a apresentação é feita — foi rasgado de forma violenta durante a abordagem da PM, segundo relato de Maikon.
“Usaram de violência. Um sargento me imobilizou depois com uma chave de braço e não permitiu que eu levasse nem meus sapatos e documentos. Ninguém pôde me acompanhar na viatura, fui socado num porta-mala de camburão junto com um pneu de estepe”, conta.

Performance consagrada

Maikon lembra que seu trabalho “DNA de DAN” já esteve nas mais importantes instituições culturais do Brasil.
“Esse trabalho estreou em 2013 em Curitiba, com apoio de um prêmio da Fundação Nacional de Artes. Lá, fizemos dez apresentações ao ar livre, no bosque atrás do Museu Oscar Niemeyer. E nunca fomos impedidos ou atacados por isso”, diz.

“Depois, circulamos por várias cidades, tendo o apoio de instituições como a Funarte, o Sesc, o Museu de Arte Moderna do Rio, o Memorial Minas Gerais, a Casa de Cultura de Belém, o CCBB etc. Essa performance já foi feita em praças e ruas, universidades, centros de cultura, galerias”, lembra.

Maikon fala que, apesar da truculência policial da qual foi vítima, não vai desistir de sua arte.
“Podem me colocar diante de um juiz. Eu sei que eu não fiz nada de errado nem nada pelo qual eu deva me envergonhar. Eu estava trabalhando, e minha função é essa: perturbar a paisagem controlada dos sentidos”, declara.

E manda um recado a quem quer calar sua arte:
“O meu corpo afronta os seus canais entupidos, o seu ódio contido, mesmo estando parado. Porque vocês nunca vão me controlar e eu pagarei o preço, eu sei, eu sempre paguei. Porque parado ali, nu, imóvel no meio da praça, suas vozes me atravessam, suas piadas estúpidas tentam me derrubar, sua indiferença me faz rir, seu embaraço me dá dó, mas eu continuo em pé.”
O Sesc ainda não se pronunciou sobre o caso, mas o Blog do Arcanjo do UOL apurou que a instituição planeja divulgar nesta segunda (17) uma nota de repúdio à prisão de Maikon Kempinski.

Governador pede desculpas

O Blog do Arcanjo do UOL apurou ainda que, neste domingo (16), o governador do Distrito Federal, Rodrigo Rollemberg, e o secretário de Cultura do DF, Guilherme Reis, telefonaram para Maikon K para pedir desculpas pela prisão em nome do Governo do Distrito Federal. Maikon já está sendo assessorado por advogados do Sesc.

Caso lembra a ditadura

A prisão truculenta de Maikon K durante sua performance artística “DNA de DAN” lembra os tempos da ditadura, quando casos assim aconteciam.
Em 1968, a peça “Roda Viva”, dirigida por José Celso Martinez Corrêa, o Zé Celso, com seu Teat(r)o Oficina teve uma sessão interrompida pelo grupo Comando de Caça aos Comunistas no Teatro Ruth Escobar, em São Paulo. Os artistas foram espancados e o cenário destruído. Depois, durante a turnê no Rio Grande do Sul, os artistas voltaram a ser perseguidos com violência por militares.
Também em 1968, a atriz Norma Bengell foi sequestrada por militares no momento em que chegava ao Teatro de Arena, em São Paulo, para apresentar a peça “Cordélia Brasil”, de Antônio Bivar.

Recentemente, o teatro tem sido vítima novamente da violência policial.

Em 2015, artistas do Teat(r)o Oficina precisaram depor no Fórum Criminal da Barra Funda. Ao fim, a Justiça decidiu que o diretor José Celso Martinez Corrêa, e os atores Tony Reis e Mariano Mattos Martins, eram inocentes na ação criminal movida pelo padre Luiz Carlos Lodi da Cruz, de Anápolis, Goiás.

O padre havia acusado os artistas de crime contra seu sentimento religioso católico por conta de uma cena da peça “Acordes”, apresentada na Pontifícia Universidade Católica de São Paulo (PUC-SP) em 2012 a convite de alunos, professores e estudantes em greve contra a posse da reitora Anna Cintra, que havia ficado em terceiro lugar na eleição.

O padre goiano viu a peça pela internet, no YouTube. Sentindo-se ofendido com a cena na qual um boneco semelhante ao Papa Bento 16, que na obra inspirada em Bertolt Brecht representava a figura do autoritarismo, resolveu então processar criminalmente os três artistas do grupo Oficina, além da produtora da companhia teatral, Ana Rúbia.

Também em 2015, o artista circense Leônidas Quadra, intérprete do palhaço Tico Bonito, foi preso também durante uma apresentação em Cascavel, interior do Paraná, justamente porque policiais que viam a apresentação não gostaram das críticas à polícia feita na peça. O palhaço foi detido por “desacato à autoridade”.

Em 2016, a PM de Santos, litoral paulista, prendeu o ator Caio Martinez Pacheco durante a peça “Blitz – O Império que Nunca Dorme”, da Trupe Olho da Rua, que satiriza o poder do Estado. Os policiais que estavam presentes na praça onde a peça era apresentada não gostaram do uso da bandeira nacional no espetáculo.

Passagem pelo corpo
Na programação do “Palco Giratório 2017” do Sesc, a performance de Maikon K é definida assim:
“DNA de DAN é uma dança-instalação de Maikon K. Num primeiro momento, o performer mantém-se imóvel enquanto uma substância seca sobre seu corpo. Após essa fase da experiência, ele se moverá. A ação acontece dentro de um ambiente inflável criado pelo artista Fernando Rosenbaum – o público poderá entrar nesse espaço e lá permanecer. Dan é a serpente ancestral africana, que dá origem a todas as formas. A partir desse arquétipo, Maikon K cria seu rito de passagem pelo corpo. A construção de outra pele, o ambiente artificial e a relação com o público são dispositivos para esta performance, na qual o corpo do artista passa por sucessivas transformações.”
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Matéria de Miguel Arcanjo originalmente publicado em seu blog no portal “UOL”, www.uol.com.br, em 16/07/17.

Artista é preso durante performance no Sesc Brasília

O dançarino e performer paranaense Maikon K teve a apresentação, na qual fica nu, interrompida e foi levado para a delegacia por "ato obsceno". +

Uma performance artística interrompida pela Polícia Militar no sábado (15/7) à tarde, em frente ao Museu Nacional da República, fazia parte da programação do evento Palco Giratório, mostra teatral promovida pelo Serviço Social do Comércio (Sesc). Na ação da PM, o dançarino e performer paranaense Maikon Kempinski acabou detido e levado para a 5ª Delegacia de Polícia (Asa Sul), onde precisou assinar um termo circunstanciado de ato obsceno.

O Correio falou com o artista na manhã deste domingo. Maikon K, seu nome artístico, se mostrou indignado com a situação e lamentou que seu cenário tenha sido rasgado pelos militares, mas preferiu não comentar mais sobre o caso por esperar um posicionamento da organização do Palco Giratório. O Sesc informou que só se posicionará na segunda-feira.

Na apresentação — chamada DNA de DAN e que já passou por palcos de várias cidades do país —, o artista fica dentro de uma bolha plástica e tem aplicado sobre o corpo nu uma substância que se resseca aos poucos, até formar uma espécie de segunda pele. Para não rompê-la, o artista é obrigado a respirar cada vez menos.

O rompimento, no entanto, é inevitável e, quando acontece, Maikon dá início a uma dança desenvolvida a partir de uma pesquisa sobre arquétipos e elementos espirituais. Em um vídeo feito sobre a apresentação, Maikon explica que sua dança é inspirada no arquétipo da serpente.

Espaço público

A performance já passou por outras cidades devido ao Palco Giratório. Segundo o curador do evento, Leonardo Braga, em Belo Horizonte, Porto Alegre e Campina Grande, ela ocorreu em espaços públicos sem problema. Em Brasília, DNA de DAN foi programada para ser apresentada em frente ao Museu Nacional da República. No entanto, Maikon foi interrompido por policiais militares, que ordenaram que ele se vestisse. Depois, ele foi colocado na traseira de uma viatura e levado à delegacia.
Segundo a PM do Distrito Federal, os militares foram ao local depois de populares solicitarem a presença da polícia porque "havia um homem nu ao lado do Museu da República". Ainda segundo a PM, os policiais foram informados por um homem que ali ocorria uma exposição de arte. No entanto, "como não foi apresentada nenhuma documentação /autorização do museu tampouco da Administração de Brasília, foi determinada a paralisação da referida exposição e foi dada voz de prisão ao elemento nu", informa uma nota.
Nas redes sociais, muitos se mostraram indignados com a detenção de Maikon. Na página do artista no Facebook, vários comentários criticam a ação da polícia e mostram apoio ao paranaense. "A ditadura tá aí, na cara de todo mundo, só não enxerga quem não quer", escreveu uma internauta. "Já que não tem onde fazer justiça em Brasília, vamo prender performer, né...", protestou outra.
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Matéria publicada originalmente no site do jornal “Correio Brasiliense” (www.correiobraziliense.com.br)

Mostra em SP une arte e justiça para debater condenação de catador de lixo

“Osso: Exposição-apelo ao amplo direito de defesa de Rafael Braga", em cartaz no Instituto Tomie Ohtake, em São Paulo, propõe manifesto sobre o caso do jovem negro carioca preso durante manifestações de junho de 2013 por portar detergente e água sanitária. +

Da aproximação entre um curador e um grupo de criminalistas nasceu a mostra "Osso: Exposição-apelo ao amplo direito de defesa de Rafael Braga", que abre na próxima terça (27), no Instituto Tomie Ohtake, em São Paulo.

Rafael Braga foi um dos poucos brasileiros presos e condenados no contexto das chamadas Jornadas de Junho de 2013, quando manifestações tomaram as ruas do país, primeiro contra o aumento da tarifa do transporte público, depois contra a corrupção e outras bandeiras.

Menos de um mês após obter progressão para o regime aberto com o uso de tornozeleira eletrônica, ele foi preso de novo e condenado, agora por tráfico de drogas, num julgamento contestado pelo acusado.

A proposta de uma mostra política obteve a adesão de 28 artistas, como Anna Maria Maiolino, Carmela Gross, Cildo Meireles, Nuno Ramos, Paulo Bruscky e Rosana Paulino.

Para o curador Paulo Miyada, ao emprestarem seu prestígio para a causa do direito de defesa, os artistas atuam como cidadãos e colocam seu trabalho como de uso público, a favor do debate.

"A ideia é de subverter o formato mais consolidado de exposição de arte e política, quando uma proposta curatorial mais ampla permite que cada trabalho apresente uma agenda, para obtermos não apenas obras-discurso mas obras-atitude", diz Miyada.

Debate Judicial

A exposição é uma parceria com o Instituto de Defesa do Direito de Defesa (IDDD).

"Osso" é uma alusão à escolha de obras feitas a partir de elementos mínimos e também à fragilidade do direito de defesa no país.
"Rafael Braga é um dos milhares de jovens negros e pobres condenados de maneira desproporcional a crimes a eles imputados apenas com base no relato policial", explica Hugo Leonardo, vice-presidente do IDDD.

"A Justiça criminal é em geral aplicada aos mais vulneráveis da sociedade, a quem não é dada voz, numa espécie de perseguição penal, que perpetua a exclusão."

Para ele, a abordagem por meio da arte pode quebrar barreiras, como o preconceito e a indiferença, e permitir um diálogo verdadeiro.
"A multiplicidade de sentidos e afetos envolvidos na arte são amplos, abertos, e capazes de sensibilizar o outro", concorda Carmela Gross, que participa da mostra com um desenho em grafite sobre parece ("Águia", de 1995) feito como parte de uma instalação na antiga Cadeia Municipal de Santos.

Para Cildo Meireles, a exposição se insere num quadro de "injustiça sistemática do país em que os corruptos não estão presos mesmo com provas gritantes acumuladas contra eles". "A arte mostra a indignação possível."

Paulo Bruscky, que vai remontar seu Manifesto Nadaísta, lançado em 1974, durante o regime militar, como forma de protesto contra a censura e a perseguição que sofria, afirma se identificar com o caso de Rafael Braga.

"Fui ameaçado e preso três vezes. Diziam que eu era comunista porque fazia intervenções urbanas", lembra. Segundo ele, os perseguidos pela Justiça de ontem e de hoje são "os que fazem o povo pensar e os miseráveis".

Condenação

No dia 20 de junho de 2013, Rafael Braga, 25, trabalhava como catador de latas perto de um protesto no centro do Rio quando foi detido por policiais civis portando duas garrafas plásticas contendo produtos de limpeza.

Para a perícia, as substâncias tinham "mínima aptidão para funcionar como coquetel molotov". O jovem foi condenado a cinco anos de prisão por porte de artefato explosivo.

Obteve progressão para o regime aberto com tornozeleira eletrônica e conseguiu emprego num escritório de advocacia. Menos de 30 dias depois, foi preso perto da casa da mãe, na Vila Cruzeiro (zona norte do Rio), próximo a ponto de venda de drogas. Segundo a polícia, portava 0,6 g de maconha, 9,3 g de cocaína e um rojão.

Braga nega as acusações, diz que a droga foi plantada e que foi agredido perto da UPP (Unidade de Polícia Pacificadora) local.
No processo, o juiz negou pedidos da defesa de acesso às imagens das câmeras da viatura e da UPP, e ao registro do GPS da tornozeleira. As testemunhas de acusação eram todas policiais.

Mais de um ano após ser detido, foi condenado a 11 anos e três meses por tráfico de drogas e associação criminosa. "É uma pena desproporcional para crime sem violência e com pequena quantidade de droga. É quase a mesma pena aplicada a um homicídio", diz Hugo Leonardo, do IDDD.

Braga, que já havia sido preso duas vezes por roubo, está detido em Bangu.
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Matéria de Fernanda Mena originalmente publicada no jornal “Folha de S. Paulo”, em 20/06/17.

‘Osso’: exposição no Tomie Ohtake apela ao direito à defesa de Rafael Braga

A mostra debate o caso emblemático do jovem condenado nos protestos de 2013 por portar desinfetante. +

Ao subir no pódio olímpico dos Jogos do México em 1968, o velocista Tommie Smith, que acabara de se tornar campeão mundial, fez um gesto que entrou para a história: enquanto tocava o hino nacional, o atleta, negro, abaixou a cabeça - em vez de levantar, em sinal de respeito - cerrou o punho direito e levantou o braço. Na mão, uma luva preta. O sinal era uma saudação ao Black Power, movimento ocorrido especialmente nos Estados Unidos, que simbolizava a luta e a resistência. Quase 50 anos depois, a imagem de Smith volta à cena, em um contexto análogo: o da resistência.

A obra Tommie é uma pequenina escultura de aço e madeira do artista Paulo Nazareth, que reproduz a imagem do atleta com o punho cerrado. Ela é uma das 32 obras pertencentes à mostra Osso - Exposição-apelo ao amplo direito de defesa de Rafael Braga, apresentada pelo Instituto Tomie Ohtake, em São Paulo, em parceria com o Instituto de Defesa do Direito de Defesa (IDDD).

Rafael Braga é um catador de latas brasileiro e, assim como o velocista, é jovem e negro. Foi detido nas manifestações de junho de 2013 por portar dois frascos contendo desinfetante e água sanitária. Ele foi o único condenado no contexto das manifestações de 2013, por "portar material incendiário", durante um protesto no Rio de Janeiro. Depois de cumprir parte da pena, passou para o regime aberto, mas acabou sendo preso novamente, em janeiro do ano passado, porque, segundo a versão da polícia, ele portava 0,6 grama de maconha, 9,3 gramas de cocaína, além de um rojão. Rafael, que nega todas as acusações, alega ter sido vítima de violência e extorsão policial.

O caso de Rafael Braga foi alçado a símbolo de centenas de outros casos que têm se repetido no Brasil, que anulam o direito da defesa se defender. Por isso, a escolha de uma "exposição-apelo", segundo explica o curador do Instituto Tomie Ohtake, Paulo Miyada. "As obras tentam abrir um leque de sensibilidade para fazer reverberar esta questão", diz. O título da exposição, Osso, se justifica por terem sido escolhidas obras produzidas a partir de estruturas mínimas, "sem gordura", como explica Miyada. As obras de 29 artistas brasileiros são divididas entre as inéditas, as feitas especialmente para a ocasião e algumas já conhecidas. E muitas delas incomodam.

Em Os homens, por exemplo, o artista Rafael Escobar traz uma pilha de registros da Defensoria Pública de São Paulo com os relatos feitos por carroceiros da região da Luz sobre como perderam seus bens nas ruas. Os nomes dos envolvidos estão suprimidos, assim como a caracterização dos responsáveis por levar os pertences, deixando espaços em branco onde residem a ambiguidade entre a violência política e pública. Os relatos podem ser levados para casa. O mesmo ocorre com a obra de Paulo Nazareth, que narra, em primeira pessoa, como foi que aos sete anos de idade foi abordado pela polícia. O folheto com o texto também pode ser levado.

Artistas jovens, negros e ligados às questões sociais formam a exposição, como é o caso de Rosana Paulino, com O Progresso das Nações, e do Manifesto Nadaísta, de Paulo Bruscky. Logo na entrada, letras garrafais avisam: "Artista é público". A obra de autoria de Vitor Cesar é feita com letras parecidas com as usadas para nomear os prédios pela cidade. Em uma sala completamente vazia, está o Cruzeiro do Sul (1969), de Cildo Meireles: um cubo de madeira de 9 milímetros apresentado diretamente sobre o chão. A obra é feita de pinho e carvalho, madeiras utilizadas por povos indígenas para produzir fogo por fricção. Outra sala é ocupada pelo IDDD, e informa de uma maneira direta, porém sem destoar da narrativa dos demais cômodos, a história de Rafael Braga intercalada com relatos de abusos policiais.

De acordo com Hugo Leonardo, advogado criminal e vice-presidente do IDDD, a ideia é sensibilizar a população por meio da arte, "partindo do particular, que é o caso do Rafael, indo para o geral, de tantos casos de pretos, pobres e presos", diz. Para isso, além das obras, haverá um debate programado para este sábado, 1º de julho, com Hugo Leonardo, Paulo Miyada, Geraldo Prado, Suzane Jardim e Cidinha da Silva. "Estamos prevendo uma série de atividades durante essa exposição com a presença de jovens da periferia, com debates, com pessoas que sofrem essa violência do sistema de justiça criminal", diz Hugo Leonardo.
A exposição fica em cartaz do dia 27 de junho ao 30 de julho, das 11h, às 20h e a entrada é grátis. O Instituto Tomie Ohtake fica na avenida Faria Lima, 201, no bairro de Pinheiros, zona oeste de São Paulo.
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Matéria de Marina Rossi originalmente publicada no jornal “El País”, em 29/06/17.

Relatório da Tefaf Art Market Report relata aumento do mercado de artes online

Seguindo as novas tendências globais, o mercado de arte aos poucos vai se rendendo ao comércio online. Relatório de pesquisa revela que o mundo da arte está cada vez mais expandindo oportunidades digitais, ampliadas pelo impacto das novas tecnologias sobre ele. +

As descobertas do relatório “TEFAF Art Market: Online Focus” destacam a tensão entre a promessa de alcançar uma vasta base de clientes global e o desafio de manter a abordagem de vendas orientada pelo relacionamento – que vem dominando o mercado de arte há séculos. O relatório analisa ainda a extensão das oportunidades digitais ampliadas pelo mundo da arte e o impacto que as novas tecnologias apresentam sobre ele.

A pesquisa, realizada junto a cerca de 700 comerciantes de arte, descobriu que uma ampla maioria mantém negócios lucrativos de comércio eletrônico, mas um quinto ainda diz não ter planos para atuar online.

Quase dois terços dos dealers, ou 64%, disseram vender arte e antiguidades online. Já as casas de leilão foram mais rápidas para entrar no mercado virtual, com aproximadamente 8% das vendas de leilões de arte acontecendo online.

As renomadas casas internacionais de leilão lideram o comércio eletrônico e engajamento online, aproveitando suas marcas para abrir vantagem no mercado virtual. Estas casas usam o comércio eletrônico, seja através do desenvolvimento de suas próprias plataformas ou do uso de plataformas de terceiros, para atingir novos compradores e colecionadores, uma tendência que provavelmente só irá crescer.
Os dealers, em contrapartida, estão demorando a se adaptaras às novas tecnologias, com apenas um terço das operações realizadas online e com 20% das galerias e marchands afirmando que não têm intenção de migrar para a internet. Embora o mercado para venda de antiguidades online seja pequeno, o relatório apontou 18,8% de crescimento, o que significa que apesar do baixo engajamento, as vendas online estão em expansão.

Novas gerações, novas tendências

O crescimento mais rápido é observado na venda de peças com preços mais baixos, o que traz novos compradores ao mercado. O crescimento no topo do mercado vem sendo limitado por questões de confiança e transparência, mas os avanços na tecnologia minimizar estas questões.

Jovens colecionadores e millennials (ou Geração Y), que costumam organizar suas vidas através de dispositivos eletrônicos e estão totalmente à vontade para comprar arte e produtos de luxo online, são de vital importância para o crescimento futuro deste mercado.
Até agora, nenhum “player” de peso emergiu do mercado online, mas aqueles que estão inovando e desenvolvendo seu portfólio de produtos – como a Artsy, 1st Dibs e Invaluable – estão obtendo sucesso neste competitivo ambiente de mercado. Há uma reestruturação para este segmento, já que os demais modelos de negócios também estão à prova.

Não há dúvida de que o potencial dos canais digitais e mobile impactarão o negócio da arte. O relatório confirma as suposições da que a TEFAF havia lançado sobre o comprometimento dos dealers em relação às oportunidades que o comércio eletrônico oferece.

Primeira edição do relatório com foco no online

Esta é a primeira vez que a TEFAF, prestigiada feira de arte reconhecida por sua política rigorosa de verificação, lançou um relatório complementar, focado no mercado de arte online e na análise anual do estado e tamanho do mercado de arte como um todo. As respostas da pesquisa (673 participantes, dentre 8.000 convidados) mostram que pouco menos de 60% relataram que seu negócio de comércio eletrônico foi rentável em 2016.

O comércio eletrônico é definido, para o propósito do relatório, como “o papel que o cenário digital reproduz ativamente no mundo da arte” e inclui as transações realizadas online e funções não-transacionais, como o marketing através de canais de mídia social. Não ficou claro no relatório como os marchands definiram como essas atividades abrangentes contribuíram para o lucro ou prejuízo líquido em seus negócios.
O relatório, no entanto, destacou uma tendência inevitável, que deve encorajar as galerias a se envolver no mercado online: os dados demográficos. Compradores mais jovens, que cresceram conectados, são mais propensos a se sentir confortáveis comprando arte (e todo o resto) online. O relatório da TEFAF aponta que, dos americanos entre 25 e 34 anos, 57% estão confortáveis comprando arte online.

Da mesma forma, o Hiscox Online Art Trade Report, divulgado em abril, levantou que metade dos 758 compradores de arte pesquisados disseram que planejam comprar online mais arte e artigos de coleção no próximo ano, uma parcela que subiu para 59% entre os entrevistados com menos de 35 anos.

Enquanto as vendas em leilões caíram em 2016 em relação ao ano anterior, tanto a Sotheby’s quanto a Christie’s relataram aumentos significativos nas vendas online. Na Christie’s, a soma chegou a US $ 217 milhões, enquanto as vendas online da Sotheby’s aumentaram 20% em relação ao ano anterior, chegando a US$ 155 milhões.
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Matéria originalmente publicada no portal www.touchofclass.com.br

Novo site compila dados de origem de obras de arte

A plataforma permite que você trace de volta os movimentos de uma obra de arte até sua origem junto ao artista. +

Já se perguntou qual o caminho percorrido por uma obra de arte, desde que deixou as mãos de seu artista criador até chegar aos museus? Agora, o site Mapping Paintings (www.mappingpaintings.org) vai permitir aos usuários visualizar estas histórias de origem de obras. A plataforma de código aberto permite pesquisar obras de arte específicas e oferece uma representação visual de sua jornada em direção à sua localização atual.

Liderado pelo professor da Universidade de Boston, Jodi Cranston, o site rastreia obras de arte e permite aos usuários mapear informações de proveniência. A iniciativa visa oferecer uma pesquisa histórica de obras de arte, incluindo detalhes de proprietários e transações passadas, facilitando o caminho para os historiadores da arte e colecionadores.

Origem e proveniência da obra

Mapping Paintings foi inspirado por um dos projetos anteriores da Cranston, Mapping Titian. “A proveniência de informação vem de catálogos impressos e em alguns sites de museus, mas visualizar o movimento dessas obras de arte permite que os usuários reconheçam seu objetivo e também não se atolem em preocupações sobre autenticidade e pedigree”, disse Cranston. “Às vezes, ver que uma obra de arte foi para um lugar inesperado é mais impactante do que tê-la em um longo histórico”.

Os usuários poderão fazer entradas individuais no site, bem como publicar seus próprios projetos. Esses envios serão revisados para fins de precisão e depois adicionados ao site por um administrador. A Coleção Kress, composta por mais de três mil obras de arte europeia acumulada por Samuel H. Kress entre 1929 e 1961, será adicionada à plataforma em breve.

“Eu acho que muitos visitantes dos museus não percebem que essas obras de arte tiveram vidas interessantes antes de chegarem às paredes do museu, e é legal pensar sobre o que essas obras de arte testemunharam e quem mais as viu”, disse Cranston à Hyperallergic. “Isso aprofunda a experiência de visualização e traz vida à história”.

Histórico que pode agregar valor à obra

O público-alvo do site são os historiadores de arte, mas estes dados não serão úteis apenas aos acadêmicos. Detalhes dos proprietários anteriores, ou a exibição de uma obra de arte em um local importante, podem ser importantes no contexto de uma venda. As disputas que compõem a maioria dos litígios de arte geralmente dizem respeito a questões de propriedade, autenticidade ou valor. A propriedade pode ser contestada no contexto de trabalhos saqueados nazistas, por exemplo, e dados de proveniência imprecisos ou incompletos podem esclarecer as falsificações que fazem as rodadas em leilão. Alternativamente, um proprietário de alto perfil ou a presença em uma instituição.
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Fonte: site Mapping Paintings (www.mappingpaintings.org).

Cais do Valongo é declarado Patrimônio Mundial da Humanidade

Sítio arqueológico foi descoberto em 2011, durante as escavações realizadas como parte das obras de revitalização da Zona Portuária do Rio de Janeiro. +

O Sítio Arqueológico do Valongo, no Rio de Janeiro (RJ), foi declarado Patrimônio Mundial da Humanidade neste domingo (9) pelo Comitê do Patrimônio Mundial da Organização das Nações Unidas para a Educação, a Ciência e a Cultura (Unesco).

O Cais do Valongo, localizado na Praça Jornal do Comércio, é símbolo da dor de milhares de negros escravizados trazidos para o Brasil por mais de 300 anos. Em 20 de novembro de 2013, data em que se celebra o Dia da Consciência Negra, o Cais do Valongo foi declarado Patrimônio Cultural da cidade do Rio de Janeiro, por meio do Instituto Rio Patrimônio da Humanidade (IRPH).

No mesmo período, representantes da Unesco passaram a considerar o sítio arqueológico como parte da Rota dos Escravos, sendo o primeiro lugar no mundo a receber esse tipo de reconhecimento. Ambos eventos reforçaram a candidatura do Cais do Valongo a Patrimônio da Humanidade.

Descoberta

Em 2011, durante as escavações realizadas como parte das obras de revitalização da Zona Portuária do Rio de Janeiro, no período que antecedeu os Jogos Olímpicos de 2016, foram descobertos dois ancoradouros, Valongo e Imperatriz, contendo uma quantidade enorme de amuletos, anéis, pulseiras, jogo de búzios e objetos de culto provenientes do Congo, de Angola e de Moçambique.
"O Sítio Arqueológico do Valongo integra agora um singular conjunto de bens tombados exclusivamente nesse preceito, entre os quais está Auschwitz, uma rede de campos de concentração no sul da Polônia, e Hiroshima, cidade japonesa vítima de bombardeio atômico na Segunda Guerra Mundial", explicou.

A presidente do Iphan, Kátia Bogéa, ressaltou que "no contexto da escravidão, o Rio traz consigo o triste título de maior porto escravagista da história. No entanto, apesar disso, apresenta-se igualmente como local onde a contribuição trazida pelos africanos encontra uma das maiores expressões, matizadas pela mestiçagem inerente ao ser brasileiro".
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Matéria publicada pelo Ministério da Cultura (www.brasil.gov.br/cultura), em 09/07/17.

Por que a Internet não vai mudar o jogo da representação de artistas

Em um excerto de seu novo livro, “The Great Reframing - How Technology Will -and Won’t - Change the Gallery System Forever”, Tim Schneider, colunista de mercado de arte do portal de arte Artnet.com, avalia por que os galeristas e marchands não querem uma revolução digital. Texto em inglês. +

In any marketplace where quality and value are almost entirely subjective, most buyers crave expert guidance. And the primary art market is a textbook example.
Even among relatively experienced collectors, a tacit assumption animates the gallery sector: Anyone with the confidence, passion, and resources to open a for-profit exhibition space in such an uncertain industry must know what he’s doing, at least to some extent. And the less knowledgeable the buyer is, the more willing he will usually be to trust in a purported specialist.

Unfortunately, such trust is not always warranted.
Unlike, for example, an attorney’s need to become bar-certified or a securities broker’s need to pass the Series 7 exam, an aspiring gallerist requires no formal scholarly or business training to sell art circa 2017.

In fact, opening an American gallery today demands less verified evidence of expertise than installing home-entertainment systems, braiding hair, or pumping gas—three occupations for which certain US states still require specific training or certification exams.
Professional associations exist in the art trade, but they are generally by-invitation-only groups with little practical impact. Case in point: As of June 2017, the most prominent such organization in the US, the Art Dealers Association of America, still did not count Larry Gagosian as a member.

Instead, the art-sales business has historically had a different kind of barrier to entry: real estate. By controlling a physical exhibition space, a gallerist doesn’t just become a business owner. He automatically becomes a gatekeeper to the primary market.
Yes, his long-term success depends on other criteria as well, such as his sales acumen, management skills, and social savvy. But in the short-term, as soon as someone acquires a space, he acquires a patina of authority and the power to affect the financial futures of at least a small number of artists.

Asymmetry of Power
In light of the above, it’s little wonder that many artists develop deep-seated frustrations with the traditional gallery system. Gallery representation gives them their best chance at establishing sustainable careers, and yet gallerists themselves may have little exposure to art history, little vision for the discipline’s future, and/or little interest in nurturing the talent on their roster.
In the most extreme cases, galleries can merely be the end result of copious wealth, ample free time, and a fascination with the glamour of the art scene—in other words, a somewhat edgier alternative to time-honored vanity projects like opening a bar or restaurant.
This means that the careers of a vast number of artists—who, in fairness, require no more formal training to go into business than dealers—hinge in large part on the potentially questionable judgments of a comparatively low number of gallerists, who are incentivized to minimize the amount of talent they allow into the system at any given time.
These circumstances have historically made selling art a money-losing proposition for the overwhelming majority of living artists. Gallerists simply have too much market influence and too little financial motivation to make their rosters inclusive on a mass scale. With few other options to sustainably monetize their work, most talent has been shut out of the game almost entirely.

Even before Gagosian, Zwirner, et al became global brands, every physical gallery at every level of the hierarchy already acted as a rubber stamp of basic quality in a marketplace short on signaling.

To use a bit of retail parlance, since gallerists maintain near-total control over who receives physical shelf space, the pure fact that they are showing particular artists’ works communicates to the public that those artists deserve attention. And since collectors also consciously or subconsciously grasp the gallery system’s importance in legitimizing artworks—aesthetically, financially, and socially—they also tacitly agree (via their open wallets) that it’s usually wiser to acquire based more on who is selling the work than on who created it, let alone what it looks like.
To use an imperfect comparison, then, the issue isn’t just that being exhibited by Zwirner does for an artist’s work what being branded and sold in an Hermès store does for a patterned scarf—meaning, instantly transforms it into a sought-after, and therefore expensive, luxury good. It’s also that being exhibited by even a quaint local gallery provides a baseline assurance of “quality.” And even this modest amount of security is worth a significant upcharge.

Digital Dream Deferred
Of course, the internet has complicated this scenario. The traditional gallery system no longer dominates artists’ ability to reach potential buyers. It is now possible for talent everywhere to sell work on primary-market platforms without the co-sign of a supposed expert. And this prospect means that, in 2017, securing representation is less important than ever to an artist’s ability to generate some amount of revenue from his passion.
But this apparent win for democracy is not changing the game quite as quickly as some may have hoped. Clare McAndrew’s 2017 art market report—which, I should remind you, is a study whose numbers I view as skeptically as the punch bowl at an orientation-week frat party—alleges that the online market grew 4 percent year on year from 2015 to 2016. More importantly, though, she acknowledges that this estimate failed to live up to long-held expectations in a fairly dramatic way.
She writes, “The rates of growth… for the last two years are significantly less than the growth rates forecast three or four years ago when estimates predicted double-digit increases in sales in the sector in excess of 20 percent.”

What’s happening here?
A closer look at the underlying dynamics suggests a reality that neither unrepresented artists nor Silicon Valley wants to hear. Open-access e-commerce may solve one of the longest-standing and most distressing problems in the art market, specifically by allowing any and all artists with an internet connection to slip past the traditional gatekeepers and reach buyers directly.
However, this new sales platform also creates (or at least, intensifies) a new problem—one that may be just as antagonistic to rank-and-file artists’ prospects as the old system of exclusivity and discrimination.

A Zero-Sum Game
To try to predict the impact of independent online-sales platforms on contemporary artists, it’s useful to look at three creative media where the model is somewhat more developed: books, music, and film (by which I mean everything from feature-length movies to episodic series to YouTube content).
Before diving into those comparisons, though, we must first acknowledge an important distinction. With the exception of digital artworks—assuming they’re marketed in a progressive way—fine art is what economists call a “rival good,” or a resource whose consumption (see: acquisition) by one party directly affects its availability to another.
A simpler way to say this is that collecting art is generally a zero-sum game. If I buy one of Andy Warhol’s Jackie paintings, you can’t own the same one unless, or until, I decide to resell it. And this scarcity element helps launch the price for sought-after works into orbit.
Books, music, and film, on the other hand, all generally qualify as “nonrival goods.” Scale becomes the route to profitability, whether we’re talking about an Oprah’s Book Club selection, a smash pop single, or a Hollywood blockbuster. The profit from each individual sale is relatively small, but those small profits add up to a large total when sellers get to collect them thousands or, even millions, of times.
Art is the opposite: Instead of making a small profit a large number of times, the gallerist or dealer seeks to make a large profit a relatively small number of times.
Despite this fundamental difference, however, online mass-media sales trends are still useful omens for online art-sales trends. Why? Because their shared reliance on the internet introduces some of the same crucial market dynamics to both.

The Tyranny of Options
Since any author, musician, filmmaker, or contemporary artist can now use an open-access e-commerce platform to reach potential consumers directly, opening a browser tab to peruse independently released works in any of these media now resembles opening a porthole from inside a fully submerged submarine.
The result is an instant flood—one liable to overwhelm the buyer and, in the process, make most independent artists as indistinguishable from one another within their discipline as the individual water droplets barreling into a breached vessel 20,000 leagues beneath the sea.
I call this phenomenon the tyranny of options. It reflects that, to some extent, technology’s overthrow of the traditional gatekeepers backfires. Yes, an open-access market for creative works of any kind is vastly more democratic than the traditional gatekeeper-controlled one.
But such a marketplace also becomes vastly more difficult for the average buyer to navigate. The reason being that the gatekeepers—be they record labels, Hollywood studios, or gallerists—still double as their medium’s most reliable signals of quality. Remove the former and you necessarily remove the latter.
Open-access e-commerce platforms thus strip artwork of many of the traits that made its marketing, valuation, and sale so unique in the pre-digital era. They effectively challenge this niche medium to play by mass-medium rules.

Therefore, any artist who fails to square this circle should expect his number of sales, as well as his profit margins on those sales, to be very low. And in a globalized marketplace sans gatekeepers, the sheer scale of competition means that this outcome will, in all probability, remain the standard for artists.
To look at the results from the collector’s point of view, we’re likely to be left with the phenomenon George Packer captured in a 2014 story about Amazon’s effect on the publishing market: “When consumers are overwhelmed with choices, some experts argue, they all tend to buy the same well-known thing.”
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This is the second of two excerpts from our art-market columnist Tim Schneider’s new book, The Great Reframing, which delves into the primary art market’s fraught relationship with technology. The full book is now available for download on Kindle.

* foto: Abertura da exposição de Julian Schnabel na Galeria Gagosian, em 21/02/2008, em Beverly Hills - Califórnia.
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Texto de Tim Schneider publicado originalmente no portal internacional de arte www.artnet.com em 29/06/17.